Augmented Spatiality

RRS – Maia Urstad. RCRS Radio Canvas Reina Sofía

Realización y edición de contenidos para RRS – http://radio.museoreinasofia.es
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Escucha el contenido de RCRS Radio Canvas Radio Sofía de Maia Urstad http://radio.museoreinasofia.es/maia-urstad
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RCRS Radio Canvas Reina Sofía es la pieza que la artista noruega Maia Urstad ha realizado específicamente para el Canal Procesos de RRS, Radio del Museo Reina Sofía.

Maia Urstad trabaja en la intersección del sonido y el arte visual abordando la historia y metodología de las tecnologías de la comunicación. En sus instalaciones, composiciones y performances Urstad ha trabajado de forma recurrente con el código morse, las señales de larga distancia, las redes digitales terrestres y la fibra óptica. Materiales con los que la artista construye en sus obras espacios físicos o virtuales. La radio, que Maia Urstad utiliza por sus posibilidades sonoras, visuales y conceptuales se constituye además como uno de los ejes centrales en su obra.

La invitación a Maia Urstad que pude realizar como parte del equipo de RRS ha resultado en la pieza titulada RCRS Radio Canvas Reina Sofía en la que el propio podcast se convierte en el centro del paisaje sonoro. Urstad, en la línea de las anteriores propuestas del canal Procesos, ha trabajado sobre el espacio de la institución, centrándose en su pieza en el espacio virtual y temporal del podcast que ha utilizado como lienzo y material de su composición.

RCRS-score(2013) — Partitura preparatoria de RCRS – Maia Urstad

Perder la forma humana – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula «Perder la forma humana» http://radio.museoreinasofia.es/perder_forma_humana
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Los años 80 fueron un momento de gran agitación política en América Latina, diferentes países se ven sometidos a regímenes dictatoriales, guerras internas y estados de sitio que reprimen la libertad de expresión y el cuerpo individual y colectivo de la sociedad. En ese contexto surgieron multitud de grupos y colectivos que desde el espacio de la creación irrumpieron con distintas estrategias en el ambiente represivo en que se hallaban sumergidos. El Museo Reina Sofía recupera en una exposición comisariada por la Red Conceptualismos del Sur muchas de aquellas manifestaciones que se despliegan en un espectro que va desde el teatro a la música, pasando por la serigrafía, el vídeo documental y la performance.

Se recupera de esta manera un valioso material que parecía estar abocado al olvido y que con su presencia nos deja mirar no solo aquellos años concretos de América Latina, sino también su reinterpretación a la luz de la situación global actual. RRS ha hablado con algunos de sus protagonistas, artistas y colectivos que esquivaron la censura con acciones que emplean el dramatismo tanto como la alegría y la ironía. Las aportaciones de Marta Cocco, integrante del TIT (Teatro de Investigaciones Teatrales) Sergio Zevallos del grupo Chaclacayo, Alfredo Márquez del colectivo Bestiarios, la cineasta Sarah Miller y Maris Bustamante integrante del colectivo Polvo de gallina negra, componen un valioso documento que dibuja una visión general trazada a partir de sus experiencias y visiones particulares.

The collective sign of auditory visual imagery – Kunstjournalen B-Post

Yesterday it was launched the annual norwegian art journal Kunstjournalen B-Post that this year in its 6th issue tittled Lyd / Sound deals with audio art, sonic art, sound art and art that makes use of sound in one form or another.

Contributers are: Anne Marthe Dyvi, Espen Sommer Eide, Mahlet Ogbe Habte, Carl Michael von Hausswolff, Brandon LaBelle, Jørgen Larsson, Sissel Lillebostad, Trond Lossius, Nicholas Møllerhaug, Anne Hilde Neset, María Andueza Olmedo, Finnbogi Petursson, Carsten Seiffarth, Karen Skog, Roar Sletteland, Maia Urstad and Jana Winderen.

Follow this link to read the online versión: http://www.kunstjournalen.no/

My article in the magazine The collective sign of auditory visual imagery deals with the relationship in between visual works and imagined sounds. To illustrate this topic some artworks are mentioned such as Peter Ablinger’s Listening piece in four parts and Marcel Duchamp’s readymade With Hidden Noise.

In an environment where images are over-abundant and the spectator’s eyes are exposed to a multitude of images every day, what role can creative visual work play in alluding to auditory phenomena? The combination of visual and auditory elements as a creative resource has a long history in art and the cinema. However, only in a few cases has it been deliberately used to generate uncertainty and stimulate the spectator’s mind, allowing one to listen to what one’s own mind produces in a kind of inter-subjective speculation. The experience of listening itself becomes a result of all the conjectures that have been produced by others previously while, at the same time, the listening is somehow based on similar personal experiences.

>> Read the complete article following this link:
http://www.kunstjournalen.no/12_eng/maria-andueza-olmedo

Habla. Entrevista con Sharon Hayes – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula «Habla. Entrevista con Sharon Hayes » http://radio.museoreinasofia.es/sharon_hayes
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Con motivo de su primera exposición individual en Europa, la artista norteamericana Sharon Hayes (Baltimore, 1970) conversó con la Radio del Museo Reina Sofía sobre algunas de las cuestiones que aborda en su obra.

La exposición, que se puedo visitar hasta el pasado 24 de septiembre de 2012, llevó por título Habla y recogía un conjunto de obras que puso de manifiesto la constante preocupación de la artista por las intersecciones entre la historia, la política y el habla (o el discurso). En la entrevista, Hayes explica la importancia que tiene en su obra la voz en consonancia con el cuerpo. Una postura que hace que en buena medida su obra, ya sea esta instalativa o en formato vídeo, tenga una componente performativa visible y audible -como se pone de manifiesto en los fragmentos de audio de dos de las obras que formaron parte de la exposición- Parole (2010) y I March In The Parade of Liberty But As Long As I Love You I’m Not Free (2008).

El giro conceptual en la obra de Hayes entre el cuerpo del que habla y el cuerpo del que escucha tomó forma asimismo en la performance que la artista realizó en el exterior del Museo Reina Sofía, en la que declamó de memoria un texto en castellano escrito específicamente para la ocasión por el artista mexicano Pablo Sic. Hayes comenta su papel como médium en esta acción en la que habla un idioma que desconoce, una cuestión que le lleva asimismo a hablar de la traducción de sus obras y los niveles de significación y resignificación que esto conlleva.

Curator Lab Programme – Konstfack University (Sweden)

I have been accepted in the programme CuratorLab of the Konstfack University of Stockholm in Sweden.

CuratorLab is an international self-directed curatorial course dedicated to the advancement of curatorial practices based on research in the arts, crafts and design. It is designed to offer time to conduct research and to explore new directions and ideas in order to develop artistic or theoretical work while linking academic study to cultural projects.

The project I will be working in is titled: Expanded Spatiality. Augmenting Urban Contexts through Sound

It is largely accepted that public creative manifestations must be included in the intervened physical and social system. However, how should sonic creation contribute to palliate the symbolic violence in the public spaces? Might it be returned to the citizen, through projects of public sound art, the possibility of an active recognition of the space? And even more, Might sound art creations propitiate a suggestive environment and operate as a metaphor of an expanded spatiality in the city?

Although the following project may fall within the scope of Sound Art -specifically that developed on the cities´ public spaces- it mainly strives to be identified beyond the label of “sound art” and considered as a contribution to the creative and curatorial practices in the public sphere.

This research project focuses on generating the construction of immaterial spaces through the integration of sound interventions in urban areas. This idea brings up the notion of “augmented reality”, in this case interpreted and analyzed from the immateriality of sound. The project seeks to advance in the contextual curatorial practices and contemporary sound creation.

Diseño colectivo de un videojuego con herramientas OpenSource para abordar los conflictos ecosociales (talleres en Managua y San Salvador)

/// English below ///

El taller tendrá lugar en Managua (Nicaragua) entre los días 20 y 31 de agosto y después en San Salvador (El Salvador) entre el los días 3 y 14 de septiembre. Lo impartiremos conjuntamente Abelardo Gil-Fournier (www.croopier.com) y María Andueza.

El taller forma parte de «La multitud traspasando lo invisible«, un proyecto de Culturambiente para la AECID que tiene como objetivo establecer un marco de reflexión crítico (desde un enfoque cultural) acerca de las lecturas actuales de sostenibilidad y modelos de desarrollo, visibilizando las contradicciones y conflictos derivados del planteamiento actual.

Ambos talleres se desarrollarán en el Centro Cultural de España en Nicaragua y el Centro Cultural de España en El Salvador respectivamente.

Con este taller queremos proporcionar herramientas de código abierto para abordar la creación de videojuegos como proceso creativo para pensar, desarrollar y divulgar los discursos de las problemáticas ambientales.

SIGUE EL TRANSCURSO DIARIO DE LOS TALLERES EN: http://culturambiente.es/blog

La estrategia – en clave de producción – propuesta para el taller es la de la división no rígida de los participantes en grupos de trabajo según sus orientaciones y capacidades. El objetivo de esta subdivisión es promover el acercamiento a las nuevas tecnologías y sus ciclos de producción con la garantía de poder ofrecer a su vez a cada uno de los participantes la posibilidad de profundizar en el campo que le sea más afín.

En este caso hablamos de 4 grupos que se acogen a dos tipos de competencias, la lógico-formal por un lado y la audiovisual por otro. Estos serán a grandes rasgos los grupos de trabajo: programación, game design, imagen y sonido. Todos los grupos trabajarán asimismo en el desarrollo conceptual del juego.

>> Si tienes curiosidad por saber cómo irá el taller vuelve a mirar esta página cuando hayamos terminado; publicaré entonces documentación del desarrollo. Puedes ver también los resultados del taller «Suma de Códigos» que impartimos en México D.F.

/// English ///

Workshops in Managua (Nicaragua) and San Salvador (El Salvador): Collective Video Game Design with Open Source tools to address ecological and social conflicts. The workshops will be conducted by Abelardo Gil-Fournier (www.croopier.com) and María Andueza between 20th August and 14th September, firstly in Managua and later in San Salvador. The workshops will be held at The Spanish Cultural Center in Nicaragua and El Salvador.

The workshops are part of «La multitud traspasando lo invisible» (The Crowd crosses the invisible), a project by Culturambiente developed for the Spanish Agency of International Development Cooperation (AECID). The objective of project aims to establish a framework for critical reflection (based on the cultural perspective) about the current readings of sustainability and development models. The project mainly works in making visible the contradictions and conflicts arising from the current approach.

In the two workshops we are going to work with open source tools to address the creation of video games as a creative process to think, develop and disseminate the discourses of environmental issues.

The workshop is presented as a multidisciplinary teamwork for designers, programmers, artists, writers, creative people and all those people involved in environmental projects.

You can follow (in Spanish) the development of the workshops in the specific blog of the project http://culturambiente.es/blog/ Also if you are interested in the results (and you want to read them in English) you can come back to my blog once the workshops have been finished. I will be publishing then some of the details and results of the whole experience.

The Global Composition – Sound, Media and the Environment (Darmstadt)

Next 24-28 July will be held at the Media Campus of Hochschule Darmstadt (Germany) the conference and Workshops, The Global Composition. Sound, Media and the Environment.

I will be presenting the results of my ongoing independent research on Public Sound Art. The value of the public in sound art as a metaphor of an expanded spatiality: Creating and curating public sound art.

Abstract

The experience of public spaces in large cities often returns aggressive environments in which the citizen is deprived of the temporal space of the imagination. Different events in the city propitiate an environment of unidirectional stimuli. This situation is experimented as symbolic violence, and dismisses the creative perception of the citizens in favor of a perception completely guided by the network of misrecognised power relations.

In the presentation, different examples of sound installations and sound actions in the public space will be analyzed. Attention will be paid to the responses they allow to the citizens, as also to the works’ repercussion in the social spaces of the city. The aim of the paper is oriented to elucidate different forms of sound art interventions in the public space. The recognition of the social public sphere, the triggering of an expanded experience of the city places and the double immersion of the citizen-user will be pointed out as directions to be considered.

// Español //

Entre el 24 y 28 de julio tendrá lugar en el Media Campus del Hochschule de Darmstad (Alemania) el simposio The Global Composition. Sound, Media and the Environment. Allí presentaré el estado actual del trabajo que desarrollo como investigadora independiente acerca del arte público sonoro y las aproximaciones al mismo desde el comisariado. La comunicación llevará por título «El valor de lo público en el arte sonoro como metáfora de una espacialidad expandida. Creando y comisariando arte público sonoro»

Somateca. Entrevista con Beatriz Preciado – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula «Somateca. Producción biopolítica, feminismos y prácticas queer. Entrevista con Beatriz Preciado» http://radio.museoreinasofia.es/somateca
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El movimiento feminista, tal y como nos explica Beatriz Preciado, comienza en los albores de la revolución francesa. Es una corriente que se denomina a sí misma como un movimiento de ciudadanas. Son madres, mujeres viudas o bastardas que reclaman el derecho de igualdad de las mujeres frente al régimen soberano en que se encuentran en el siglo XVIII. La palabra feminismo sin embargo no fue inventada por este movimiento, sino que es un término médico – una noción psicopatológica asociada a la tuberculosis – que define en 1871 un médico francés llamado Faneau de La Cour. En su tratado sobre la tuberculosis califica de feministas a los hombres que debido a esta enfermedad pierden virilidad. Para él por tanto el feminismo es una patología de desvirilización del hombre tuberculoso.

Tan solo un año después el hijo de Alejandro Dumas, panfletista de la época, retoma este término de manera injuriosa para descalificar a los hombres que apoyan la causa de las ciudadanas y su integración en la esfera pública y democrática en términos de igualdad legal y política. Para encontrar el término feminismo asociado a las mujeres habrían de pasar unos años hasta que las sufragistas a comienzos del siglo XX se apropiaron del término y se autodenominaron feministas.

Beatriz Preciado, teórica queer y experta en teoría del género e historia política del cuerpo relaciona este proceso de reapropiación performativa y crítica del término con otro proceso semejante que sucede a finales de los años 80 con la expresión queer. Si bien inicialmente el término tiene un carácter peyorativo, los movimientos homosexuales, transexuales y transgénero se van a reapropiar del mismo para oponerse a las corrientes gays y lesbianas de integración y normalización en la sociedad heterosexual dominante.

La entrevista desarrollada en el marco de Somateca, el curso que dirige Beatriz Preciado entre abril y septiembre de 2012 en el Centro de Estudios del Museo Reina Sofía, aborda estas y otras cuestiones con relación al cuerpo, la creación y las técnicas de representación y de subjetivación de los grupos socialmente marginados o subalternos.

Resultados del taller «Suénalo tú mismo»

El taller de «Suénalo tú mismo» consistió en una semana de actividades con niños y niñas de entre 8 y 14 años que trabajaron con el sonido desde múltiples vertientes. El taller partía de la experimentación con material sonoro (analógico y digital) para trabajar en torno a la idea de altavoz. Altavoz entendido no solo aparato electroacústico que amplifica el sonido sino también como espacio físico de exploración sonora. El objetivo era que fueran las niñas/os los que construyeran los dispositivos sonoros de forma creativa. Trabajaron con placas a las que sumaron zumbadores con interruptores que incorporaban una ligera interacción, ventiladores que activaban sonidos de tipo analógico y pequeños altavoces de 2W que amplificaban las grabaciones que ellos mismos realizaron y editaron durante el taller.

En los cinco días que estuvimos trabajando abordamos actividades en las que el aprendizaje de lo visual y lo sonoro aparecían íntimamente ligados: juegos de percepción sonora, escenografías visuales del sonido, murales sonoros del entorno de Cerezales, creación de dispostivos sonoros para transformar objetos en altavoces y por último construcción de unos altavoces que cada participante se llevó a casa al finalizar el taller.

Algunos detalles del desarrollo del taller:

1. Todo taller ha de empezar con las presentaciones de sus participantes. Estas son algunas de las imágenes de nuestras «Presentaciones Sonoras»

2. Antes de comenzar a trabajar con cables, altavoces, zumbadores y grabadoras,… un poco de trabajo de atención, descripción sonora y acotación del territorio sonoro. Comenzamos con un «Concierto para orejas sensibles y moldeables» y seguimos con distintos juegos de visualización y señalización sonora. «Escenografías sonoras» lo llamamos: sonidos audibles y – como no – sonidos imaginados. Sonidos que se pueden señalar y formas de sonido que podemos ver. Fueron memorables los 5 segundos de inusitado silencio en que imaginaron el sonido de las campanas. La naturalidad con la que comprendieron que hay sonidos que están solo en nuestras cabezas resultó del todo gratificante.

3. Gran expectación y nerviosismo al comenzar a trabajar con cables, placas y zumbadores. Por grupos trabajaron con estos dispositivos que tuvieron que montar y con los que después estuvimos experimentando en el entorno de la Fundación Cerezales. El reto, superado, fue conseguir transformar con el espacio el sonido intenso y constante del zumbador. Desagües, árboles y esculturas hicieron las veces de altavoces improvisados.

4. «Electro Papel», este fue el título que dieron los niños y niñas al mural sonoro en el que fundimos imagen y sonido. Trabajamos con cámaras fotográficas, la grabadora de sonido, zumbadores y pequeños ventiladores. Fascinados con el aparataje que acarrea la grabación sonora, buscaron y registraron el entorno sonoro de Cerezales del Condado al mismo tiempo que recogieron con las cámaras fotográficas fragmentos y detalles visuales del entorno.

Los sonidos y las fotografías que capturaron tomaron forma en un mural, el «Electro Papel» que sumaba a la dimensión visual una capa sonora que era interactiva. Además de esta capa, añadimos una capa sonora analógica al mural. Una mezcla de distintos sonidos que daba una idea de la riqueza y las posibilidades creativas de este medio unido a lo visual.

5. Por último, día dedicado a la construcción de los altavoces. Realizaron las cajas, las decoraron, conectaron todos los cables, los protegieron, incluyeron una malla protectora para el altavoz y finalmente comprobaron que sonaban. Unos altavoces «caseros», realizados íntegramente y con gran satisfacción por cada participante. Esta actividad encerraba en sí misma la que fue la esencia de todo el taller: SUÉNALO TÚ MISMO

MUCHAS GRACIAS AL EQUIPO DE LA FUNDACIÓN CEREZALES. Ha sido de nuevo un placer colaborar con vosotros.

Curso de Verano: «Estéticas de la imagen. Estéticas de la palabra»

Entre los días 2 y 4 de julio tendrá lugar el curso de verano «Estéticas de la imagen. Estéticas de la palabra» organizado por la Universidad de Zaragoza en la Universidad de verano de Teruel. Este curso en concreto tendrá lugar en Calanda, en la Fundación Mindán Manero. Consultar el programa completo en el siguiente enlace: http://www.fundacionmindanmanero.org/cursos

Entre otras intervenciones, el programa acoge el día 3 de julio una mesa redonda coordinada por Sandra Santana que lleva por título «En sentido figurado: leer, mirar y pensar la metáfora» y en la que tengo el gusto de participar junto a Alberto Fragio, Pol Capdevilla y Manuel E. Toranzo.

Mi comunicación «El murmullo de la apariencia. Metáforas visuales y presencias sonoras» estará centrada en analizar la metáfora como recurso para aludir a lo sonoro en la obra de determinados artistas actuales. Dejo a continuación una breve presentación de la problemática que abordaré en la presentación:

En 1916 Marcel Duchamp ideó El ruido secreto, una bobina de cuerda cuyo cilindro central aparece sellado por dos planchas de cobre que permanecen unidas por medio de cuatro tornillos. En el interior de este contenedor, de medidas perfectamente asibles en una única mano, reside un objeto al que solo se tiene acceso a través del sonido. Éste, un ruido que debemos imaginar puesto que como espectadores no tenemos acceso a él, remitiría en su escucha al objeto escondido, a aquel que lo contiene y al sujeto que lo provoca. Sin embargo, el objeto de Duchamp aparece reducido hoy a la potencia visual de su imagen y a la evocación lingüística tanto en el título como en las palabras incompletas grabadas sobre las dos planchas de cobre. Todo ello nos lleva como espectadores a un ejercicio de distanciamiento de lo visual en el que se requiere la evocación mental individual que ligue en este caso el título y el objeto.

Como esta obra de Duchamp, muchas otras de diferentes artistas y creadores vinculados con lo sonoro remiten de forma explícita a lo visual y lo hacen usando la imagen como metáfora de lo sonoro. Más allá de la producción literal de significado que origina este uso de lo visual interesa discutir y analizar el mecanismo que subyace en la construcción de esas imágenes. En tanto que fotografías, objetos o acciones los argumentos apuntan a cuestiones que son al mismo tiempo culturales y escenográficas. Es desde ese desdoblamiento de lo visual como imagen especular de la idea sonora donde todas ellas resultan enérgicamente vivas.