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RRS · Radio Reina Sofía · Sarah Maldoror

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Escucha el contenido “Sarah Maldoror. Poeta y cineasta de la negritud” realizado a partir de una entrevista con Sarah Maldoror (Chema González (entrevista), Rubén Coll y Dani Verdín (grabación), María Andueza (edición de la cápsula): https://radio.museoreinasofia.es/sarah-maldoror

Anónimo. Retrato de Sarah Maldoror. Fotografía, 1984 · Fuente de la imagen

Sarah Maldoror (Gers, 1929) viajó a Madrid el pasado mes de mayo de 2019 con motivo de la retrospectiva que le dedicaron conjuntamente el Museo Reina Sofía y el festival DocumentaMadrid. La cineasta llegó arropada por sus dos hijas y su nieta para presentar la sesión inaugural del festival en la que se proyectaron dos de sus películas más relevantes y al mismo tiempo muy desconocidas para el público como son Monangambée (1969) y Sambizanga (1973) que narran sendas historias relativas a los movimientos de liberación de África en Angola.

Ese mismo día tras la presentación en la Cineteca de Madrid, Chema González, jefe de Actividades Culturales del Museo y comisario del ciclo que llevó por título Sarah Maldoror, poeta y cineasta de la negritud, tuvo la oportunidad de conversar con Sarah Maldoror para la RRS Radio del Museo Reina Sofía. En la conversación, que recogemos parcialmente en esta cápsula, Maldoror recordó someramente algunos de los puntos de inflexión en su carrera artística, como la fundación en París a finales de la década de 1950 de la compañía de teatro Les Griots junto a Toto Bisainthe o cuando, algo más tarde, viajó a Moscú para formarse en el campo de la cinematografía regresando tras dos años a Argel, donde se sumergió en la causa de los movimientos de emancipación de África.

Lo que desvelan estos hechos concretos en la entrevista es una carrera artística y una vida, la de Sarah Maldoror, atravesada y comprometida con el movimiento de la negritud que vivió de cerca junto a algunos de sus máximos integrantes y que supo no solo retratar sino también acrecentar en sus películas que navegan entre las aguas del documental, el cine y la poesía destilando una sensibilidad extraordinaria para traducir en música e imágenes, historias particulares que narran con precisión los movimientos reaccionarios contra el colonialismo.

RRS · Radio Reina Sofía · Laurie Anderson

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Escucha el contenido “All the things I lost in the Flood” realizado a partir de una entrevista con Laurie Anderson: https://radio.museoreinasofia.es/laurie-anderson

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Laurie Anderson durante la performance en el Museo Reina Sofía. Foto: Lisbeth Salas

El 14 de noviembre de 2018 se convirtió, para muchas personas, en la oportunidad para encontrarse con uno de los mitos e iconos de la creación contemporánea. Unos días antes, en pocos minutos, se habían agotado las entradas para asistir a la performance de Laurie Anderson en el Museo Reina Sofía, en el marco del festival RIZOMA. Así, ante un público expectante y ansioso, apareció Laurie Anderson (Illinois,1947) para presentar la performance All the things I lost in the flood, una activación del libro homónimo que publicó la artista a comienzos de 2018.

Aunque directamente relacionada con las obras, instrumentos y otros objetos personales que la artista perdió tras el paso por Nueva York del huracán Sandy, la performance lejos de convertirse en un acto nostálgico, condujo a la audiencia a un relato fluido de casi dos horas que estuvo guiado por la indiscutible sensualidad de su voz, modulada en el escenario por un lenguaje entonado con mayor gravedad o relajación pero siempre capaz de recoger algunas de las muchas anécdotas, historias y relatos que acompañan a cuatro décadas de producción artística.

Gracias al festival RIZOMA, la RRS tuvo la oportunidad de hablar con Laurie Anderson durante unos minutos en el hotel donde se alojó en el centro de Madrid. La entrevista, como la performance, pasó demasiado rápido aunque deja reflexiones interesantes sobre las que seguir pensando el el trabajo y la carrera de esta artista imprescindible.

RRS · Radio Reina Sofía · Dora García

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Escucha el contenido de la entrevista con Dora García con motivo de su exposición Segunda Vez: https://radio.museoreinasofia.es/entrevista-dora-garcia

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Vista de la exposición de Dora García en el Museo Reina Sofía. Fuente de la imagen

La segunda vez nunca es como la primera, la recuerda, es posible que la contenga, pero se configura y cobra cuerpo de otro modo, nos hace entederla, se repite tal vez.

Segunda Vez es el título que toma la exposición de Dora García en el Museo Reina Sofía. Segunda Vez es también el título de un relato de Julio Cortázar en el que se narra la desaparición forzada de un hombre mientras realiza un trámite por segunda vez en una oficina de Buenos Aires. Segunda Vez es además el título de una de las obras más recientes de Dora García en la que trabaja sobre el pensamiento lacaniano del intelectual y artista argentino Oscar Massota (1930-1979) y sus happening. Dora García explora la posibilidad de repetir estos happening como vía para entenderlos o de realizarlos cuando estos no pudieron llevarse a cabo. En todo ello resuenan los inevitables ecos de Kaprow, en alusión a la desaparición del público, a los que se suman reverberaciones de no menor intensidad que entrelazan a otro nivel la repetición de estos happening con reflexiones psicoanalíticas.

En esta trama de relaciones hilada por la literatura, el psicoanálisis y la acción se teje la obra de Dora García que se muestra ahora, con una clara voluntad de ocupar el espacio, en el Museo Reina Sofía. En ella ofrece múltiples grados de lectura y expone al espectador a diferentes formas de interacción que van desde una observación y escucha situadas en el contexto a su intromisión involuntaria como ejecutante de una acción que allí sucede.

RRS · Radio Reina Sofía – Heba Y. Amin

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Escucha el contenido de la pieza “The General’s Stork” de Heba Y. Amin. Encargo específico realizado para el canal Procesos de la Radio del Museo Reina Sofía como parte del programa “Critical Spaces” concebido por María Andueza: http://radio.museoreinasofia.es/heba-amin

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Lord Allenby y su marabú en El Cairo (fecha desconocida). Foto recogida por la artista para el proyecto.

El desarrollo de la tecnología militar de los siglos XX y XXI tuvo como trasfondo las geografías de Oriente Medio. Cuando la guerra empezó a estar dictada por las necesidades tecnológicas, la conquista del cielo transformó los conflictos armados occidentales en un espectáculo de armamento de alta tecnología. La estética tecnológica quedó intrínsecamente unida a la imagen de Oriente Medio, y el idioma de la ocupación y la colonización se tradujo en la visión del paisaje en guerra como estudio topográfico, cartografía aérea, bombardeos y drones.

En 2013 las autoridades egipcias retuvieron a una cigüeña que migraba desde Hungría hacia Israel por llevar un dispositivo electrónico pegado al cuerpo. Era sospechosa de espionaje. Casi cien años antes, Lord Allenby, Alto Comisionado Británico en El Cairo, cumplía una importante profecía bíblica al enviar máquinas con apariencia de pájaro para conquistar Jerusalén a los otomanos. The General’s Stork (la cigüeña del general) explora relatos históricos de profecías bíblicas, narraciones coloniales y la política de la guerra tecnológica a vista de pájaro. Cuestiona el estado de paranoia contemporáneo que nos lleva a temer el cielo y acusar a un ave migratoria de ser un espía internacional.

Texto escrito por Heba Y. Amin

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RRS · Radio Reina Sofía – Burrow Collective

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Escucha el contenido de la pieza “In the Eye of the Storm” de Burrow Collective. Encargo específico realizado para el canal Procesos de la Radio del Museo Reina Sofía como parte del programa “Critical Spaces” concebido por María Andueza: http://radio.museoreinasofia.es/burrow-collective

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In the Eye of the Storm (2018). Burrow Collective

“El ojo gira hacia los cumulonimbos de la pared, altos, cerrados, grises y furiosos, más allá de donde alcanzas a ver. No olvides, dijo la geolingüista, que el ojo es el cebo del imperio. El ojo no deja sino un reguero de lágrimas”

In the Eye of the Storm  (En el ojo de huracán) entrelaza múltiples historias y voces que relatan las consecuencias del ciclón Winston, un superciclón que azotó Fiyi en 2016. El 20 de febrero se declaró el estado de emergencia en todo el archipiélago. El ciclón de categoría 5 fue el primero de esa magnitud en la región y el más intenso de los ciclones registrados en la historia del hemisferio sur, con vientos que superaron los 300 kilómetros por hora y olas de más de 12 metros de altura. En algunos puntos su ojo llegó a alcanzar los 50 kilómetros. Cientos de miles de personas fueron desplazadas, se cortó la electricidad, el agua y la comunicación, y los pueblos fueron arrasados. Se perdieron decenas de vidas. En su día fue uno de los mayores ciclones que alcanzó tierra de todo el mundo.

Las secuelas de Winston todavía perduran. Los colegios se convirtieron en hospitales de campaña, las casas todavía esperan a ser reconstruidas, y los campos siguen diezmados. Los pueblos y ciudades más afectados aún luchan contra las sequías e inundaciones, las dificultades económicas y el desempleo. Tras esta lucha hay historias de colonización, de personas de las Islas Salomón engañadas por el Imperio Británico para trabajar como sirvientes sin contrato en las plantaciones de azúcar de Fiyi, práctica conocida como “blackbirding”. El legado de la colonización nunca terminó. Está presente en forma de ayuda internacional y acuerdos de comercio coercitivos, en la extracción de recursos y la expansión de capital y en la incesante indiferencia hacia el impacto racial del cambio climático provocado por el hombre que afecta a la primera línea de las comunidades del Pacífico. Esta es la historia, y el presente, que evoca el ojo de la tormenta.

Escrita e interpretada por cuatro artistas de la poesía hablada, escritores y científicos, y narrada a través de los relatos de una geolingüista –una «lectora de la tierra»–, In the Eye of the Storm une las experiencias vividas y presenciadas de una catástrofe medioambiental con el desposeimiento colonial traído, y perpetuado, por la continua violencia imperial.

Texto escrito por Burrow Collective

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RRS · Radio Reina Sofía – Susan Schuppli

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Escucha el contenido de la pieza “Playing Back the Histories of Climate Change” de Susan Schuppliusa. Encargo específico realizado para el canal Procesos de la Radio del Museo  Reina Sofía como parte del programa “Critical Spaces” concebido por María Andueza: http://radio.museoreinasofia.es/susan-schuppli

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Imagen cortesía de Susan Schuppli

La pieza de Susan Schuppli ‘Playing Back the Histories of Climate Change’, es el primero de tres encargos específicos realizados para la serie Critical Spaces de RRS · Radio del Museo Reina Sofía.

Critical Spaces desarrolla a través del formato radiofónico reflexiones en torno a la medialidad y la auralidad vinculadas a nociones espaciales procedentes de las geografía, la política o la ecología entre otros. En un sentido más amplio, Critical Spaces, trabaja la construcción de espacio y su indiscutible relación con ausntos de trascendencia social.

El proyecto de Susan Schuppli, ‘Playing Back the Histories of Climate Change’ explora, en palabras de la artista, “el concepto de ‘proxy data’ (información indirecta) y considera las formas en que los proyectos creativos ayudan a producir conocimiento ecológico serio y consecuente acerca del mundo que habitamos” Partiendo del fallo de sistema frigorífico que mantenía la temperatura de los testigos de hielo, Schuppli reflexiona recurriendo a la narración, las entrevistas y las grabaciones sonoras, sobre el papel que ha jugado la cultura y los procesos creaifvos como información indirecta de gran utilidad para estudiar el cambio climático. Su trabajo considera además otras formas posibles para considerar, a futuro, la investigación en este campo.

Próximas piezas de Critical Spaces: Heba Y. Amin and Burrow Collective (Polly Stanton and Anja Kanngieser)

 

Playing Back the Histories of Climate Change
(Explicación de la pieza por Susan Schuppli)

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Imagen cortesía de Susan Schuppli

A principios de este año, el cuerpo de bomberos de Edmonton reaccionó a una alarma de temperatura elevada originada en la Universidad de Alberta. El recién construido y de última generación Canadian Ice Core Archive (Archivo canadiense de testigos de hielo) en la Facultad de Ciencias de la Universidad de Alberta, había experimentado un fallo de sistema importante en sus instalaciones frigoríficas debido a un aumento de temperatura de -37ºC a 40 ºC. Con este fallo, unos 22.000 años de historia del clima se derritieron convirtiéndose en un charco de datos perdidos. «Los testigos de hielo son como grabadoras de historia climática y esa historia está desapareciendo en todo el mundo», afirma Andrew Bush, modelador paleoclimático. Para que los científicos contemporáneos puedan construir un modelo climático global, necesitan tener acceso a registros de todo el planeta que muestran los cambios ocurridos a lo largo de miles de años. Aún así, la mayoría de instrumentos de medida de fenómenos medioambientales y condiciones meteorológicas fueron inventados en el siglo XIX. Para entender climas tan antiguos es necesario consultar indicadores indirectos o proxies (los archivos naturales de la Tierra), para acceder a tipos de datos diferentes y a modos alternativos de medida. A través de este ensayo sonoro, se explora el concepto de «datos indirectos» y se expone cómo pueden ayudar los proyectos creativos a producir conocimiento ecológico serio y consecuente acerca del mundo que habitamos.

Susan Schuppli es una artista e investigadora afincada en el Reino Unido, cuyo trabajo consiste en examinar las pruebas materiales de los conflictos y las catástrofes medioambientales. Su trabajo actual explora las maneras en las que las ecologías tóxicas de los accidentes naturales y los vertidos de crudo en la oscura nieve del ártico están produciendo un archivo de «imágenes extremas» de errores materiales. Sus proyectos creativos han sido expuestos en Europa, Asia, Canadá y EE. UU. Sus trabajos más recientes incluyen Trace Evidence, una trilogía de vídeos encargada por Arts Catalyst (Reino Unido) y Bildmuseet (Suecia), y Atmospheric Feedback Loops, un encargo de Vertical Cinema para Sonic Acts (Ámsterdam). Algunas de sus próximas exposiciones podrán verse en Ural Biennale, Bonniers Kunsthall (Estocolmo) Artspace (Auckland) y SculptureCenter (Nueva York). Ha publicado una gran variedad de obras en el contexto de los medios de comunicación y la política y es la autora del libro de próxima publicación Material Witness (MIT Press, otoño de 2018). Schuppli es profesora adjunta y codirectora del Centre for Research Architecture de Goldsmiths, University of London y antes fue investigadora sénior del proyecto Forensic Architecture. En 2016 recibió el premio Infinity Award del ICP en la categoría de ensayo crítico e investigación.

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RRS · Radio Reina Sofía – Esther Ferrer

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Escucha el contenido “Esther Ferrer. Todas las variaciones son válidas. Incluida esta”: http://radio.museoreinasofia.es/esther-ferrer

Esther Ferrero Íntimo y personal, 1977. Museo Reina Sofía

Esther Ferrer. Íntimo y personal (1977). Museo Reina Sofía

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) expone una parte de su obra en el Museo Reina Sofía. Bajo el título Todas las variaciones son válidas. Incluida esta la exposición ubicada en el Palacio de Velázquez (26 de octubre de 2017 y el 25 de febrero de 2018) muestra obras plásticas, maquetas, instalaciones, obra sonora y también documentos de acciones -en forma de partituras- que lanzan una invitación expresa a los espectadores para que se conviertan en ejecutantes y las lleven a la acción, cosa que apenas sucede aún pudiendo tener mucho sentido en el contexto relajado del Parque del Retiro. Así, sucede que la mayoría, por no querer o no atreverse, eligen quedarse en el papel de espectadores de esas otras acciones que sí tienen lugar en el espacio realizadas por el personal de mediación.

Tomando la exposición y la invitación de actuar como detonante de esta cápsula, se presenta,desde la escucha radiofónica, un ejercicio de reflexión sobre la práctica performativa de Esther Ferrer y su forma de relacionarse con el tiempo, el espacio y la presencia, los tres conceptos que a su parecer pone en juego la acción. Muy libremente, nos hemos permitido jugar con los materiales que existen de sus performances en la red (procedentes de otros museos mayoritariamente) siendo conscientes de que ella ha preferido siempre no documentar sus acciones salvo algunos casos excepcionales como Intimo y Personal (1977). Trabajando a partir de esos materiales que, sin embargo, capturan algo de lo mucho que sucede en una performance, hemos incorporado en la realización de esta cápsula el carácter lúdico al que ella ha recurrido y al que sigue recurriendo tantas veces. Lo hemos hecho así por considerar que este era el formato que tendría más sentido para pensar y -confiamos- hacer reflexionar sobre ello con la ironía y la seriedad, como binomio inseparable, que es tan propio de gran parte del trabajo de esta artista.

 

RRS · Radio Reina Sofía – Anna Raimondo

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Escucha el contenido de la pieza “A mermaid is on air” de Anna Raimondo. Encargo específico realizado para el canal Procesos de la Radio del Museo Reina Sofía: http://radio.museoreinasofia.es/mermaid-air-obra-anna-raimondo

[ENGLISH] http://radio.museoreinasofia.es/en/mermaid-air-work-anna-raimondo

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Imagen de Anna Raimondo

Texto de Anna Raimondo para la presentación de la pieza en la web de RRS

Convertirse en mujer, en ondas, en olas, convertirse en sirena. A mermaid is on air es un viaje sonoro a través de universos donde la voz, la subjetividad y el proceso de percepción de la escucha son centrales para su exploración. La obra rastrea, en la búsqueda de la comunicación femenina más allá del logos, lo que puede significar e implicar ser mujer.

Como un universo misterioso de las olas, la sirena encarna también aquí el potencial de las ondas electromagnéticas en su posibilidad de cruzar el aire, el agua y la tierra.

La obra deconstruye en diferentes niveles el mito de la sirena, mezclando leyendas y estereotipos sobre su figura. La sirena se convierte así en un forma irónica y poética de aproximarse a lo que significa “ser mujer” más allá de instrucciones que vienen dadas y estereotipos esperados. La figura de la sirena activa asimismo el imaginario relacionado con el mar como un imaginario de posibilidades donde encontrar al otro y a uno mismo en una continua transformación.

La sirena es un misterio
Un misterio que cruza diferentes registros y universos
¿Mitad pájaro o mitad pez?
Femmes fatales o simplemente una inocente y bonita chica?
¿Profeta o destructora?
Entre el mundo de los vivos y los muertos, en cualquier caso, ella es una mujer.

Marcel Broodthaers · RRS Radio Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Marcel Broodthaers (1924-1976)”
http://radio.museoreinasofia.es/marcel-broodthaers-1924-1976

Vista de la exposición de Marcel Broodthaers en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Vista de la exposición. Marcel Broodthaers. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2016-2017

 

Las ideas pueden ser objetos artísticos. Son parte de una cadena en el proceso de desarrollo que puede eventualmente encontrar algún tipo de forma. 

No es necesario materializar todas las ideas.

Las ideas no proceden necesariamente en un orden lógico.

Dado que ninguna forma es intrínsecamente superior a otra, el artista puede usar cualquier forma – desde la expresión literaria, ya sea escrita o hablada, a la realidad física – de forma equivalente.

Las ideas pueden ser objetos artísticos. Marcel Broodthaers. Texto inédito (cir. 1973) publicado en Moure, Gloria (ed.) Marcel Broodthaers. Collected Writings. Ediciones Polígrafa: Barcelona, 2012, p.367

En esta cápsula se propone un acercamiento a la figura de Marcel Broodthaers a través de diferentes registros sonoros tomados de su obra y cedidos por el Estate de Marcel Broodthaers – encargado de preservar la obra del artista –. Estos audios, dialogan con fragmentos de textos escritos por Broodthaers y entrevistas tomadas del volumen Marcel Broodthaers. Collected Writings editado por Gloria Moure y publicado el año 2012.

 

Colectivo Acciones de Arte (C.A.D.A) · RRS Radio Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Colectivo Acciones de Arte C.A.D.A. (1973-1985)” radio.museoreinasofia.es/colectivo-acciones-arte-cada-1979-1985

C.A.D.A. (Colectivo Acciones de Arte) Detalle de la acción "Inversión de escena" 1979 Museo Reina Sofía ©, 2016

C.A.D.A. (Colectivo Acciones de Arte) Detalle de la acción Inversión de escena, 1979 Museo Reina Sofía © 2016

El Colectivo Acciones de Arte (C.A.D.A.), que surgió en Chile durante la dictadura de Augusto Pinochet (1979-1985), se forma como un grupo interdisciplinar articulado por los artistas visuales Lotty Rosenfeld y Juan Castillo, el sociólogo Fernando Balcells y los escritores Raúl Zurita y Diamela Eltit. El C.A.D.A emprendió numerosas acciones de intervención en el espacio público y social chileno como una forma de recuperar y atender a las subjetividades y los espacios de acción y pensamiento reprimidos por la dictadura.

Las calles, los medios impresos e incluso el espacio aéreo de Santiago fueron ocupados por acciones en las que la potente carga visual de los eventos se sumaba a otra, penetrante e igualmente evocadora, que aparecía en forma de mensajes textuales.

La exposición en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía reúne documentos, vídeos y otros archivos que dan cuenta de la actividad desarrollada por el C.A.D.A. y aparecen dispuestos para mostrar no sólo el valor y el sentido de las estrategias que desplegó el colectivo en colaboración con otros artistas, sino también las formas a las que recurrieron para desafiar al régimen dictatorial desde el espacio simbólico de la imagen y la palabra en el arte.

La propuesta expositiva planteada por el comisario Francisco Godoy incluye además el trabajo específico realizado por cinco artistas que han colaborado con sendos colectivos sociales produciendo un cartel que actualiza en el contexto español el NO+, una de las acciones centrales del C.A.D.A.


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