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Ignasi Aballí. RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Ignasi Aballí. Sin principio / sin final” radio.museoreinasofia.es/ignasi-aballi

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Ignasi Aballí. Mapamundi 2010-2011. Collage sobre papel. Colección del artista

La obra de Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) hace frente a las disciplinas y articula con las formas, los procesos y los materiales un jugoso diálogo sobre las expectativas de lo artístico. Los materiales se vuelven procesos en el tiempo, al igual que los procesos se vuelven material en muchas de sus obras. No solo los procesos y el material, también la propia figura del artista y del arte muestran la cara y el anverso para hablar de su propia constitución: la del arte, la del artista, la de la institución y también la del espectador que se involucra en el ciclo.

Todo ello se pone en juego en una exposición que muestra dos dimensiones fácilmente apreciables en todas sus salas: por un lado la dimensión visual, pictórica, del conjunto de obras ordenadas en cada espacio, y por otro lado la lectura e interpretación más profunda que permite la percepción más pausada de cada obra, devolviendo en este acto aproximaciones a espacios de reflexión que abarcan diferentes realidades.

Realidades diversas que, sin embargo, sitúan de uno u otro modo al espectador en su mundo real, en su tiempo contemporáneo. Un tiempo, que como en la vida real se estructura con una doble temporalidad: la de las obras o acciones que suceden a largo plazo y aquellas otras que de forma simultánea a las primeras suceden en un instante o en un espacio de tiempo mucho menor.

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Nasreen Mohamedi · RRS RAdio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Nasreen Mohamedi. La espera forma parte de una vida intensa” radio.museoreinasofia.es/Nasreen-Mohamedi

Nasreen Mohamedi. La espera forma parte de una vida intesa

Nasreen Mohamedi. Sin título (ca. 1975). Colección Sikander y Hydari

La obra de Nasreem Mohamedi (Karachi, 1937 – Baroda, 1990), poco conocida en el ámbito español, desvela en la exposición monográfica que le dedica el Museo Reina Sofía una gran sutileza y sensibilidad que hacen de su trayectoria un ejemplo único en su acercamiento al modernismo. Un modernismo que lejos de asemejarse al realismo que coetáneamente destacaba en India se asienta sobre unos conceptos de abstracción que lo vinculan con lo más íntimo de las personas, la naturaleza y los espacios.

La comisaria de la exposición, Roobina Karode, desvela algunas de las ideas claves que atraviesan la obra de Mohamedi incidiendo en la importancia de la línea en su obra. Un empleo de la línea que se va depurando progresivamente en un proceso de abstracción y economía de medios y recursos. El proceso degenerativo muscular que padecía la artista no le impidió sin embargo trabajar con gran minuciosidad en sus obras, consiguiendo que todas ellas estén impregnadas de una precisión casi matemática que deja ver a su vez, como comenta la comisaria, un aire grácil y orgánico.

Nasreem Mohamedi estableció un estrecho vínculo con la música, que escuchaba en su estudio mientras trabajaba. La voz de Pandit Bhimsen Joshi que acostumbraba a escuchar la artista acompaña ahora como fondo musical el contenido de esta cápsula.

La escultura como lugar. Carl Andre · RRS

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Escucha el contenido de la cápsula “La escultura como lugar. Carl Andre” http://radio.museoreinasofia.es/Carl-Andre

Vista de la exposición "La escultura como lugar" en el Palacio de Velázquez. © Imagen Museo Reina Sofía

Vista de la exposición “La escultura como lugar” en el Palacio de Velázquez, Madrid. Imagen Museo Reina Sofía

Esta cápsula de investigación, creada con motivo de la exposición La escultura como lugar que muestra la obra de Carl Andre en el Museo Reina Sofía, plantea una aproximación a una serie de experiencias y referencias desde las que profundizar y dar a conocer parte de su creación artística.

La obra de este escultor y poeta estadounidense nacido en Massachusetts en 1935 aparece vinculada a diferentes experiencias vitales por las que el artista ha pasado desde que comenzara a establecerse en la escena norteamericana en los años 60. Su trabajo como guardafrenos en una empresa ferroviaria de Pennsylvania o el paseo en canoa que llevó a cabo en un lago en New Hampshire van a provocar importantes transformaciones en su obra. No solo los materiales sino también la propia estructura de sus piezas vinieron determinadas por reflexiones y conclusiones a las que llegó a través de aquellas experiencias.

Entre diversas consideraciones sobre su escultura y su trabajo textual y poético el oyente tendrá ocasión de escuchar al propio Carl Andre realizando algunas lecturas de sus poemas, como también el trabajo y las cavilaciones de otros creadores que nos aproximan a la diversidad y riqueza artística de un período crucial del arte contemporáneo: los años 60 y 70 en Estados Unidos.

Somateca. Investigación y prácticas crip-queer (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Somateca. Investigación y prácticas crip-queer” http://radio.museoreinasofia.es/Somateca

Un fanzine llamado Deseo

Portada de Un fanzine llamado Deseo. Proyecto realizado por Somateca

Somateca es el nombre que agrupa al conjunto de personas que están trabajando en torno a las prácticas crip-queer (taradas cuir) dentro y fuera del Museo Reina Sofía. Temas como la diversidad funcional y sexual, el cuerpo, la normatividad, los feminismos, los afectos o los deseos son algunos de los temas que vertebran el trabajo de esta constelación de personas y sobre los que investigan en diferentes proyectos que toman la forma de reflexión teórica, creación artística o acción performativa entre otras.

En este podcast, dos de las integrantes del grupo Somateca, que surgió como resultado del programa de Estudios Avanzados en Prácticas críticas del Museo, dirigido por Paul B. Preciado y que llevaba por título Somateca. Producción biopolítica, feminismos, prácticas queer y trans, nos hablan sobre las formas de trabajo y metodologías que ponen en marcha en sus diferentes proyectos, su relación con la institución y las prácticas artísticas y también sobre su visión y la continuidad de su trabajo en un futuro próximo.

RRS · Budhaditya Chattopadhyay · The Well Tempered City: Book II

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Escucha la pieza de Budhaditya Chattopadhyay The Well Tempered City: Book II que ha creado dentro del programa Modernidad y Transducción de la Radio del Museo Reina Sofía que he coordinado junto a José Luis Espejo y Rubén Coll. http://radio.museoreinasofia.es/budhadityachattopadhyay

Listen the sound piece by Budhaditya Chattopadhyay The Well Tempered City: Book II created as part of the programme Modernity and Transduction at the Radio of the Museo Reina Sofía. This was my commission for this programme coordinated together to José Luis Espejo and Ruben Coll. Listen the podcast here! http://radio.museoreinasofia.es/budhadityachattopadhyay/en

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The Well Tempered City_image

© Budhaditya Chattopadhyay. The Well Tempered City: Book II


The Well Tempered City: Book II
aborda el concepto de transducción con relación a la ciudad india de Bangalore y al concepto de hipermodernidad. La obra, vinculada a una escucha mediada por el uso de dispositivos electrónicos, traduce en secuencias sonoras las vibraciones provocadas por los ciudadanos que transitan la ciudad en su interacción con la arquitectura. Así se compone una textura de sonoridades que se va haciendo en su progresión más densa y rica en variaciones.

La transformación en esta pieza de las vibraciones en sonidos audibles desvela a través de la escucha un espectro de transferencias de la actividad de los individuos al espacio urbano. Como una suerte de respiración artificial del contexto, la presencia de los ciudadanos se convierte en The Well Tempered City en el impulso que dota de vida a la arquitectura, que como organismo vivo responde con ligeros movimientos que convierten a la ciudad en carcasa vibrante y geológica.

Quien interroga a la ciudad, Budhaditya Chattopadhyay, no escucha tanto a los individuos como a las superficies donde las memorias de estos quedan fundidas, amalgamadas, como diluyendo las identidades en favor de una sonoridad colectiva del entorno urbano.

Budhaditya Chattopadhyay es un artista e investigador sonoro/multimedia que trabaja entre India y Europa. Su trabajo incluye grabaciones de campo, música acusmática y electroacústica, instalaciones sonoras/audiovisuales y composiciones para actuaciones en directo individuales y en grupo.

Reivindicar, amplificar, interferir y aumentar.

Cinco décadas de arte público y creación sonora en España

Texto publicado en MASE Historia y presencia del arte sonoro en España

Trazar la ruta del arte sonoro español en el espacio público no es tarea fácil. No lo es por tratarse de un ámbito un tanto deslavazado o inconexo en el que las aportaciones aparecen y desaparecen sin seguir ningún orden ni tampoco ninguna corriente de ideas o tendencia puntual. En este sentido se presenta la producción sonora española como un terreno en el que aparecen diseminados artistas y obras de distinta relevancia. Son figuras consistentes sin embargo las que componen este paisaje de formas particulares que de unos años a esta parte ha visto crecer de forma generosa su diversidad. A lo largo de las siguientes páginas abordaremos algunas de las trayectorias más prolíficas, como también intervenciones que de forma puntual han realizado algunos artistas y que suman información apreciable al ámbito de la creación sonora en el espacio público. Para delimitar el ámbito de estudio entenderemos por espacio público aquellos espacios –urbanos/rurales–que pertenecen al colectivo de ciudadanos y no pueden por tanto ser apropiados sino solo temporalmente. Prestaremos atención a una serie de propuestas artísticas –festivales, eventos, exposiciones y otros formatos– que han incluido o versado sobre lo público en la creación sonora, como también miraremos hacia algunas investigaciones que a modo de creación o acción artística se presentan en la intersección de la creación sonora y los estudios de la arquitectura y la ciudad. No es por lo tanto la intención de estas páginas abarcar todo aquello que se ha realizado en esta dirección, como tampoco lo es establecer una historia del arte sonoro y público español. Se trata más bien de abrir caminos para su escritura en tiempo presente a través de la enumeración de ciertas trayectorias y obras que vienen acompañadas de sugerentes ideas sobre las que continuar trabajando.

>> Lee el texto completo aquí

Playgrounds. Reinventar la plaza (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Playgrounds. Reinventar la plaza”
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Captura de pantalla 2014-06-16 a las 10.51.08El juego es más viejo que la cultura. Con esta frase comienza el estudio Homo Ludens (1938) del historiador Johan Huizinga, cuya tesis central sostiene que la cultura aparece en forma de juego – o dicho de otro modo, que la cultura en sus manifestaciones iniciales evoluciona en las formas y con el ánimo propios del juego.

A partir de esta visión de Huizinga, completada con la aproximación no competitiva al juego que propusiera la Internacional Situacionista, proponemos un recorrido – a modo de deriva, guiado por las once reglas del juego que en 1959 Allan Kaprow indicara en How to make a happening (Cómo hacer un happening). Un viaje cuya ruta describe uno de los muchos mapas que se podrían trazar de la aproximación de la creación a la esfera pública. Una ruta donde el espíritu participativo y crítico del arte se revela en un conjunto de obras que transforman progresivamente el paisaje en un espacio público y ciudadano.

./English/.

Play is older than culture. With this phrase begins Homo Ludens. A Study of the Play Element in Culture, published by the historian Johan Huizinga in 1938. Huizinga sustains, as the book’s central thesis, that culture appears in the form of play – or to put it another way, that culture in its early manifestations evolves through the forms of and with the spirit of play.

Using Huizinga’s vision as a starting point, and complemented by the non-competitive approach to play proposed by the Situationist International, we have devised a visit – a drift really, guided by the eleven rules of the game that Allan Kaprow indicated in 1959 in his How to make a happening. This journey follows a route laid by one of the many maps that can be drawn of how creation reaches the public sphere. A route in which the participatory and critical spirit of art can be seen in a set of works that gradually transform landscape into a public, person-focused space.

Dominique Gonzalez-Foerster (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Dominique Gonzalez-Foerster. Splendide Hotel”
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La instalación Splendide Hotel de Dominique Gonzalez-Foerster (Estrasburgo, Francia, 1965) concibe el año de construcción del Palacio de Cristal como comienzo de una ficción de la que el espectador será su máximo artesano y protagonista.

1887 es el punto de partida de un relato abierto que convierte la arquitectura del Palacio de Cristal en la carcasa de un luminoso Splendide Hotel cuya única estancia, transparente y de arquitectura similar a la del palacio, queda aislada en el centro del espacio.

Cerrada e inaccesible al paso del espectador, esta habitación produce el efecto de permanecer fuera aún sabiéndonos dentro. Como una suerte de escenario en torno al que transita el visitante, la estancia cerrada convierte al espectador en actor de una historia que está por contar y cuyos posibles caminos se encuentran tal vez sugeridos en los títulos que aparecen agrupados y frágilmente sujetos a las mecedoras de estilo decimonónico que pueblan el espacio. Será desde allí, desde donde otros visitantes – huéspedes ya del hotel, hilvanen su viaje al de personajes de historias otras.

./English/.

The installation Splendide Hotel by French artist Dominique Gonzalez-Foerster (Strasbourg, France, 1965) takes the year of construction of the Palacio de Cristal as the starting point of a fiction conceived for the spectator to play a key role as both the exhibition’s protagonist and ultimate craftsman.

1887 is the starting point of an open-ended narration that turns the architecture of the Palacio de Cristal into the containing frame of a luminous Splendide Hotel whose only room, both transparent and built in a style that matches the palace’s architecture, is isolated in the centre of the exhibition space.

Closed and inaccessible, the room has the double effect of simultaneously turning the spectator into an insider and an outsider: it functions as a stage around which the visitors revolve, turning them into the actors of a story which is yet to be told. The different, possible narrative lines are merely sketched out: they delicately appear bound together in the form of books that are tied to the 19th century style rocking chairs populating the exhibition space- and it will be precisely from these rocking chairs that, having already become the hotel’s guests, other visitors will weave their journey in a way that it intermingles with the characters of other stories.

Programa Fisuras (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Cildo Meireles”
http://radio.museoreinasofia.es/Programa-Fisuras
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El programa Fisuras es una plataforma del Museo Reina Sofía que ofrece el espacio del Museo a artistas para que produzcan obra nueva. Este año, el programa reúne cuatro propuestas de artistas internacionales que podrán verse hasta el próximo 6 de enero de 2014: Gabriel Acevedo Velarde, Maria Loboda, Manuel Saiz y Alejandra Riera.

En esta ocasión la Radio del Museo Reina Sofía ha conversado con tres de estos artistas que han explicado el origen e intención de sus propuestas en el Museo. La intervención Las Fieras de Maria Loboda (Cracovia, 1979) la componen un conjunto de objetos que ocupan uno de los pasillos del edificio Sabatini. De esta forma construye la artista una narrativa donde historia y simbología cobran una nuevo significado dentro del espacio museístico.

El artista peruano Gabriel Acevedo (Lima, 1976) reconstruye una particular sala de cine realizada con sillas del almacén del Museo para mostrar un programa ficticio de televisión cuyo tema son los fenómenos paranormales en los edificios del Estado en Perú. Toda su exposición reflexiona sobre los espacios intermedios de fricción y mezcla que se producen entre la afectividad individual de las personas y la coexistencia de los medios y el Estado.

Finalmente la pieza de Manuel Saiz (Logroño, 1961) se centra en una performance que propuso el pasado 28 de septiembre un cuidado mecanismo para abordar la espinosa cuestión de qué es el arte. Una serie de entrevistas realizadas públicamente en el Museo buscaron que cada entrevistado expresara su conocimiento relativo al tema abordado. Hasta el próximo 6 de enero se verá en el auditorio de Sabatini la grabación de aquella performance.

RNE “La Casa del Sonido”. Augmented Spatiality. Espacio público y creación sonora

El pasado 30 de Octubre realicé un programa en “La Casa del Sonido” de RNE, Radio Clásica, dedicado a la creación sonora en el espacio público. “La Casa del Sonido” es un programa dirigido y presentado por José Luis Carles, con quien tuve el gusto de compartir micrófono y a quien agradezco su invitación.

El programa lo dedicamos casi íntegramente a hablar del proyecto “Augmented Spatiality” que comisarié en Estocolmo y que tuvo lugar los pasados meses de agosto y septiembre de 2013. En el programa escuchamos y comentamos fragmentos de algunos de los eventos que allí tuvieron lugar, como “Oath of Love” de la artista taiwanesa Hong-Kai Wang, escuchamos también algunos de los sonidos preparatorios de la instalación sonora “The Derivative. Touching the curve, sensing the space” que el artista noruego Trond Lossius preparó para el andén de metro del barrio de Hökarängen (en el que se enmarcó Augmented Spatiality). Y finalmente dedicamos una parte importante del programa a escuchar algunas de las piezas que formaron parte de la sección de escucha del proyecto.

Aquí podeís escuchar el programa íntegro y acceder al resto de contenidos de “La Casa del Sonido” en el podcast de RNE: http://www.rtve.es/alacarta/audios/la-casa-del-sonido


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