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Espacio sonoro y materialidad – Aula de Música Experimental

// Curso impartido por María Andueza y Abelardo G. Fournier //

Perfora un agujero hasta el corazón de un gran árbol e inserta un micrófono. Sella el agujero con cemento. Monta un amplificador y un altavoz en una habitación vacía y ajusta el volumen para hacer audible cualquier sonido que pueda proceder del árbol.  
Bruce Nauman, 1970, Micrófono – Obra árbol

“El volumen del arte sonoro es inconmensurable, ensordecedor” con esta afirmación el artista Christof Migone hace referencia a los dos factores que vertebran este curso: el espacio y la materialidad del sonido.

Este curso está planteado como una sucesión de módulos o unidades independientes.  Temáticamente estarán organizadas cada una de ellas en torno a un concepto amplio como por ejemplo el de ciudad, el silencio o el planeta. En el aspecto práctico cada uno de los módulos hará uso de una aproximación tecnológica venida del campo de la interacción y el prototipado, tales como las placas Arduino, los sensores de distinto tipo o motores y otros actuadores susceptibles de ser manipulados en la creación sonora.

En este sentido las aproximaciones tecnológicas que aborda el curso servirán como una introducción al uso de ciertas tecnologías en el campo de la creación sonora, si bien la orientación experimental del curso no es la de ser una introducción técnica a tales herramientas.

El curso está orientado a la creación sonora como una forma de pensamiento e investigación en torno a la materialidad y el espacio del sonido; una oportunidad para hacer y también para reflexionar sobre lo que otros ya han hecho.

 Este curso no requiere tener conocimientos específicos sobre los temas y las tecnologías a tratar. 

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Colectivo Acciones de Arte (C.A.D.A) · RRS Radio Museo Reina Sofía

Realización y edición de contenidos para RRS – http://radio.museoreinasofia.es
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Escucha el contenido de la cápsula “Colectivo Acciones de Arte C.A.D.A. (1973-1985)” radio.museoreinasofia.es/colectivo-acciones-arte-cada-1979-1985

C.A.D.A. (Colectivo Acciones de Arte) Detalle de la acción "Inversión de escena" 1979 Museo Reina Sofía ©, 2016

C.A.D.A. (Colectivo Acciones de Arte) Detalle de la acción Inversión de escena, 1979 Museo Reina Sofía © 2016

El Colectivo Acciones de Arte (C.A.D.A.), que surgió en Chile durante la dictadura de Augusto Pinochet (1979-1985), se forma como un grupo interdisciplinar articulado por los artistas visuales Lotty Rosenfeld y Juan Castillo, el sociólogo Fernando Balcells y los escritores Raúl Zurita y Diamela Eltit. El C.A.D.A emprendió numerosas acciones de intervención en el espacio público y social chileno como una forma de recuperar y atender a las subjetividades y los espacios de acción y pensamiento reprimidos por la dictadura.

Las calles, los medios impresos e incluso el espacio aéreo de Santiago fueron ocupados por acciones en las que la potente carga visual de los eventos se sumaba a otra, penetrante e igualmente evocadora, que aparecía en forma de mensajes textuales.

La exposición en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía reúne documentos, vídeos y otros archivos que dan cuenta de la actividad desarrollada por el C.A.D.A. y aparecen dispuestos para mostrar no sólo el valor y el sentido de las estrategias que desplegó el colectivo en colaboración con otros artistas, sino también las formas a las que recurrieron para desafiar al régimen dictatorial desde el espacio simbólico de la imagen y la palabra en el arte.

La propuesta expositiva planteada por el comisario Francisco Godoy incluye además el trabajo específico realizado por cinco artistas que han colaborado con sendos colectivos sociales produciendo un cartel que actualiza en el contexto español el NO+, una de las acciones centrales del C.A.D.A.

Augmented Spatiality – Observatorio de la escucha – Sin Paisaje (DSS2016)

El próximo día 7 de mayo, como parte del ciclo Sin paisaje del Observatorio de la Escucha, presentaré en Tabakalera (San Sebastián) el proyecto Augmented Spatiality para hablar de la intervención sonora como generadora de espacio público.

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Ilustración de Sarah Giannobile

El proyecto Augmented Spatiality (Espacialidad Aumentada) arrancó el año 2013 como un modo de analizar, desde la práctica, la creación sonora inscrita en el espacio público. De diferentes formas el proyecto atiende a las opciones que las intervenciones sonoras despliegan en el espacio social y a los procesos de transformación que surgen en su interacción con la ciudad y lo urbano. El proyecto ha adquirido diferentes formatos y líneas de acción desde entonces, presentando y abordando problemáticas específicas de los lugares intervenidos. Augmented Spatiality es un proyecto que piensa el espacio público desde el espacio público y lo hace a través de estrategias y procesos sonoros que dialogan con procesos sociales y espaciales presentes en los lugares. El proyecto contempla el trabajo con las múltiples variables de lo urbano, la colectividad y los procesos colaborativos

Sin Paisaje. Observatorio de la escucha
El ciclo nace, con vocación de lugar de encuentro, como una propuesta complementaria del proyecto OBSERVATORIO DE LA ESCUCHA. Este observatorio pretende formar una plataforma que ofrezca herramientas para analizar y reflexionar, a través de diversas expresiones artísticas sonoras (música, radio, arte sonoro..) sobre las relaciones que establecemos con nuestro entorno sonoro. EL OBSERVATORIO DE LA ESCUCHA es un proyecto apoyado por la Capital cultural Europea DSS2016 y el centro TABAKALERA.

> 7 de mayo a las 20h en Tabakalera – Sala Z (acceso gratuito) + info aquí

Acción sonora y ciudad. La Ciudad Demudada (La Térmica. Málaga)

El próximo 8 y 9 de abril, como parte del proyecto La Ciudad Demudada coordinado por Chinowski Garachana, Antonio R. Montesinos y Malaventura, impartiré el taller “Acción sonora y ciudad. Espacios urbanos y su espacialidad sonora”

La Ciudad Demudada es un trabajo de experimentación e investigación en torno a la urbe que pretende, mediante el contacto directo con la calle a través de la deriva, la recolección de objetos, testimonios, sonidos y rutas; generar un mapa caleidoscópico, una ciudad remezclada que hable de ella misma y sus ciudadanos, así como del derecho de estos a definir lo que este espacio común y de convivencia significa.

El taller Acción sonora y ciudad trabajará sobre las estrategias de intervención sonora en el espacio público entre las que se despliegan una variedad de actitudes que propician un diálogo directo con el entorno urbano; desde situaciones de escucha activa a eventos de amplificación, llamada, interferencia o ruptura entre otros. El taller tiene como objetivo pensar las posibilidades de la acción sonora como sistema de intervención en el espacio social y el espacio público. La acción sonora como un modo de intervención directo que, sin precisar de herramientas tecnológicas complejas, emplea el potencial de lo ya presente en la ciudad –los cuerpos, las ideologías, los dispositivos, las construcciones, los espacios, los datos (…)– para trabajar críticamente su temporalidad, significado, impacto o valor simbólico a través del fenómeno sonoro. El taller planteará algunas líneas de pensamiento y discusión en este sentido al tiempo que propondrá algunas actividades que permitan a los participantes llevar a la práctica los temas abordados.

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Augmented Spatiality. Congreso Espacios Sonoros (UAM)

El próximo 3 de marzo presento el proyecto Augmented Spatiality en el congreso Espacios Sonoros. La ciudad como lugar de experimentación, creación e investigación plurisensorial, que tendrá lugar en la Universidad Autónoma de Madrid. Presentaré el marco general del proyecto al tiempo que mostraré algunas de las acciones que tuvieron lugar en Estocolmo en 2013 y como parte del festival Tsonami el pasado mes de diciembre.

Augmented Spatiality Tsonami/ (tumblr en proceso de construcción)
Augmented Spatiality (Estocolmo, 2013)

CARTEL CONGRESO ESPACIOS SONOROS 2016

Geografías audibles. Revista Aural Nº2

articulo-aural-No2Ya se puede adquirir “Geografías audibles”, el segundo número de la Revista de arte sonoro y cultura Aural que incluye diferentes ensayos y aproximaciones a la creación sonora vinculada a la noción del territorio. En él he contribuido con un texto titulado “Lectura, apropiación, propuesta y conversación” en el que analizo obras puntuales de Dora García, Teatro Ojo, Hong-Kai Wang y Suzanne Lacy para hablar de la temporalidad, el hecho sonoro y el análisis crítico del espacio urbano. Mi agradecimiento a Samuel Toro Contreras, Qzzk Hx y Rodrigo Ríos (editor y co-editores) por su trabajo en este número.

La revista se puede adquirir online a través de la editorial Chancacazo

La escultura como lugar. Carl Andre · RRS

Realización y edición de contenidos para RRS – http://radio.museoreinasofia.es
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Escucha el contenido de la cápsula “La escultura como lugar. Carl Andre” http://radio.museoreinasofia.es/Carl-Andre

Vista de la exposición "La escultura como lugar" en el Palacio de Velázquez. © Imagen Museo Reina Sofía

Vista de la exposición “La escultura como lugar” en el Palacio de Velázquez, Madrid. Imagen Museo Reina Sofía

Esta cápsula de investigación, creada con motivo de la exposición La escultura como lugar que muestra la obra de Carl Andre en el Museo Reina Sofía, plantea una aproximación a una serie de experiencias y referencias desde las que profundizar y dar a conocer parte de su creación artística.

La obra de este escultor y poeta estadounidense nacido en Massachusetts en 1935 aparece vinculada a diferentes experiencias vitales por las que el artista ha pasado desde que comenzara a establecerse en la escena norteamericana en los años 60. Su trabajo como guardafrenos en una empresa ferroviaria de Pennsylvania o el paseo en canoa que llevó a cabo en un lago en New Hampshire van a provocar importantes transformaciones en su obra. No solo los materiales sino también la propia estructura de sus piezas vinieron determinadas por reflexiones y conclusiones a las que llegó a través de aquellas experiencias.

Entre diversas consideraciones sobre su escultura y su trabajo textual y poético el oyente tendrá ocasión de escuchar al propio Carl Andre realizando algunas lecturas de sus poemas, como también el trabajo y las cavilaciones de otros creadores que nos aproximan a la diversidad y riqueza artística de un período crucial del arte contemporáneo: los años 60 y 70 en Estados Unidos.

Reivindicar, amplificar, interferir y aumentar.

Cinco décadas de arte público y creación sonora en España

Texto publicado en MASE Historia y presencia del arte sonoro en España

Trazar la ruta del arte sonoro español en el espacio público no es tarea fácil. No lo es por tratarse de un ámbito un tanto deslavazado o inconexo en el que las aportaciones aparecen y desaparecen sin seguir ningún orden ni tampoco ninguna corriente de ideas o tendencia puntual. En este sentido se presenta la producción sonora española como un terreno en el que aparecen diseminados artistas y obras de distinta relevancia. Son figuras consistentes sin embargo las que componen este paisaje de formas particulares que de unos años a esta parte ha visto crecer de forma generosa su diversidad. A lo largo de las siguientes páginas abordaremos algunas de las trayectorias más prolíficas, como también intervenciones que de forma puntual han realizado algunos artistas y que suman información apreciable al ámbito de la creación sonora en el espacio público. Para delimitar el ámbito de estudio entenderemos por espacio público aquellos espacios –urbanos/rurales–que pertenecen al colectivo de ciudadanos y no pueden por tanto ser apropiados sino solo temporalmente. Prestaremos atención a una serie de propuestas artísticas –festivales, eventos, exposiciones y otros formatos– que han incluido o versado sobre lo público en la creación sonora, como también miraremos hacia algunas investigaciones que a modo de creación o acción artística se presentan en la intersección de la creación sonora y los estudios de la arquitectura y la ciudad. No es por lo tanto la intención de estas páginas abarcar todo aquello que se ha realizado en esta dirección, como tampoco lo es establecer una historia del arte sonoro y público español. Se trata más bien de abrir caminos para su escritura en tiempo presente a través de la enumeración de ciertas trayectorias y obras que vienen acompañadas de sugerentes ideas sobre las que continuar trabajando.

>> Lee el texto completo aquí

Playgrounds. Reinventar la plaza (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Playgrounds. Reinventar la plaza”
http://radio.museoreinasofia.es/Playgrounds
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Captura de pantalla 2014-06-16 a las 10.51.08El juego es más viejo que la cultura. Con esta frase comienza el estudio Homo Ludens (1938) del historiador Johan Huizinga, cuya tesis central sostiene que la cultura aparece en forma de juego – o dicho de otro modo, que la cultura en sus manifestaciones iniciales evoluciona en las formas y con el ánimo propios del juego.

A partir de esta visión de Huizinga, completada con la aproximación no competitiva al juego que propusiera la Internacional Situacionista, proponemos un recorrido – a modo de deriva, guiado por las once reglas del juego que en 1959 Allan Kaprow indicara en How to make a happening (Cómo hacer un happening). Un viaje cuya ruta describe uno de los muchos mapas que se podrían trazar de la aproximación de la creación a la esfera pública. Una ruta donde el espíritu participativo y crítico del arte se revela en un conjunto de obras que transforman progresivamente el paisaje en un espacio público y ciudadano.

./English/.

Play is older than culture. With this phrase begins Homo Ludens. A Study of the Play Element in Culture, published by the historian Johan Huizinga in 1938. Huizinga sustains, as the book’s central thesis, that culture appears in the form of play – or to put it another way, that culture in its early manifestations evolves through the forms of and with the spirit of play.

Using Huizinga’s vision as a starting point, and complemented by the non-competitive approach to play proposed by the Situationist International, we have devised a visit – a drift really, guided by the eleven rules of the game that Allan Kaprow indicated in 1959 in his How to make a happening. This journey follows a route laid by one of the many maps that can be drawn of how creation reaches the public sphere. A route in which the participatory and critical spirit of art can be seen in a set of works that gradually transform landscape into a public, person-focused space.

Mayrit. Acciones Sonoras – Akio Suzuki & Aki Onda

Mañana, sábado 8 de marzo y el domingo 9 tendrán lugar sendos paseos sonoros por el barrio de Delicias de Madrid con Akio Suzuki y Aki Onda. El evento es la primera parte del proyecto Mayrit comisariado por José Luis Villalobos y Jorge López Conde. La siguiente cita será en mayo con los artistas Alex Mendizábal y Brandon Labelle. A la espera de lo que suceda en mayo, en esta ocasión el evento terminará con una comida y charla con los artistas en la que tengo el gusto de participar junto a Ruben Coll, Miguel Álvarez-Fernández y José Luis Espejo como moderador de la conversación.

La salida es a las 11am desde La Casa Encendida. Más información: http://www.lacasaencendida.es/es/grupo-eventos/mayrit-3071

En la siguiente información, proporcionada por el proyecto, tenéis más detalles sobre el evento de este fin de semana y los artistas Akio Suzuki y Aki Onda.

Mayit. Acciones sonoras por Madrid

Pasear con oídos abiertos y ojos entornados, en una visita a diferentes espacios del Barrio de Delicias y del Parque Tierno Galván que serán sonorizados por Akio Suzuki (instrumentos acústicos) y Aki Onda (casetes y amplificador). Un paseo sonoro junto a los artistas japoneses (acaban de publicar su primer álbum juntos, en el sello Oral) en el que recorreremos espacios de características muy diferentes, y que nos permitirá, a través de la práctica sonora (con especial énfasis en el uso de la reverberación y el eco) de estos artistas, escuchar Madrid de una forma muy diferente. El paseo acabará en una comida y charla junto a los artistas y otros invitados en LCE: una sobremesa para profundizar en el pensamiento y la práctica sonora de dos artistas excepcionales.

AKIO SUZUKI Legendario artista sonoro japonés, Akio Suzuki ha actuado, construido instrumentos, y presentando instalaciones sonoras desde hace 40 años. Su música es simple y pura, explorando cómo ambientes naturales y sonidos se pueden dominar para luego volver a ponerlos en libertad. Experimentar su arte es perderse en el sonido que nos rodea. Akio actúa con una serie de instrumentos de fabricación propia, incluyendo el Analapos – un instrumento que él inventó en la década de 1970 que crea ecos a través de las transmisiones acústicas de un cable en espiral que se extiende entre dos cilindros de metal -, De Koolmees – consistentes en tubos de vidrio huecos suspendidos sobre un marco-, y una antigua flauta de piedra (Iwabue) transmitida de padres a hijos en su familia desde hace muchas generaciones. Akio ha colaborado con Toru Takemitsu, Takehisa Kosugi, Derek Bailey, Peter Brötzmann, Steve Lacy y Juan Carnicero, entre otros.

AKI ONDA es un músico electrónico, compositor y artista visual. Nació en Japón y actualmente reside en Nueva York. Es particularmente conocido por su proyecto Cassette Memories – trabajos compilados a partir de un “diario sonoro” de grabaciones de campo realizadas por él mismo en un lapso de dos décadas. Su instrumento musical es el casete Walkman. No sólo captura grabaciones de campo con el Walkman, también manipula físicamente múltiples walkmans a través de diferentes efectos en sus actuaciones. En los últimos años Aki ha trabajado a menudo en proyectos interdisciplinarios, junto a cineastas, coreógrafos y artistas visuales. Ha colaborado con Michael Snow, Ken Jacobs, Paul Clipson, Alan Licht, Loren Connors, Oren Ambarchi, Noël Akchoté, Jean-François Pauvros, Jac Berrocal, Lionel Marchetti, Linda Sharrock y Blixa Bargeld.


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