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RRS · Radio Reina Sofía · Laurie Anderson

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Escucha el contenido “All the things I lost in the Flood” realizado a partir de una entrevista con Laurie Anderson: https://radio.museoreinasofia.es/laurie-anderson

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Laurie Anderson durante la performance en el Museo Reina Sofía. Foto: Lisbeth Salas

El 14 de noviembre de 2018 se convirtió, para muchas personas, en la oportunidad para encontrarse con uno de los mitos e iconos de la creación contemporánea. Unos días antes, en pocos minutos, se habían agotado las entradas para asistir a la performance de Laurie Anderson en el Museo Reina Sofía, en el marco del festival RIZOMA. Así, ante un público expectante y ansioso, apareció Laurie Anderson (Illinois,1947) para presentar la performance All the things I lost in the flood, una activación del libro homónimo que publicó la artista a comienzos de 2018.

Aunque directamente relacionada con las obras, instrumentos y otros objetos personales que la artista perdió tras el paso por Nueva York del huracán Sandy, la performance lejos de convertirse en un acto nostálgico, condujo a la audiencia a un relato fluido de casi dos horas que estuvo guiado por la indiscutible sensualidad de su voz, modulada en el escenario por un lenguaje entonado con mayor gravedad o relajación pero siempre capaz de recoger algunas de las muchas anécdotas, historias y relatos que acompañan a cuatro décadas de producción artística.

Gracias al festival RIZOMA, la RRS tuvo la oportunidad de hablar con Laurie Anderson durante unos minutos en el hotel donde se alojó en el centro de Madrid. La entrevista, como la performance, pasó demasiado rápido aunque deja reflexiones interesantes sobre las que seguir pensando el el trabajo y la carrera de esta artista imprescindible.

Sobre “Speaker Swinging” de Monahan. Conversación con Laura Llaneli

El pasado mes de diciembre, en el festival Tsonami se programó la pieza “Speaking Swinging” de Gordon Monahan. Una pieza del 82 interpretada en esta ocasión por tres performers. A la salida del concierto, conversando con la artista Laura Llaneli nos encontramos con que tuvimos una recepción completamente opuesta de la pieza, ella abandonó el concierto por hastío y hasta enfadada, y yo sin embargo salí entusiasmada. Ante nuestras posturas tan distintas, Laura me invitó a conversar con ella vía e-mail sobre nuestros puntos de vista diversos para publicarlo como reflexión sobre la pieza en la web de Hangar, donde ella está como artista en residencia en este momento. Durante unas semanas, nos hemos intercambiado algunos mails que nos han servido para pensar la obra más allá de nuestras percepciones aquella tarde.

Lee la correspondencia mantenida con Laura aquí:
¿Ver a un león atravesando un aro de fuego?

Reivindicar, amplificar, interferir y aumentar.

Cinco décadas de arte público y creación sonora en España

Texto publicado en MASE Historia y presencia del arte sonoro en España

Trazar la ruta del arte sonoro español en el espacio público no es tarea fácil. No lo es por tratarse de un ámbito un tanto deslavazado o inconexo en el que las aportaciones aparecen y desaparecen sin seguir ningún orden ni tampoco ninguna corriente de ideas o tendencia puntual. En este sentido se presenta la producción sonora española como un terreno en el que aparecen diseminados artistas y obras de distinta relevancia. Son figuras consistentes sin embargo las que componen este paisaje de formas particulares que de unos años a esta parte ha visto crecer de forma generosa su diversidad. A lo largo de las siguientes páginas abordaremos algunas de las trayectorias más prolíficas, como también intervenciones que de forma puntual han realizado algunos artistas y que suman información apreciable al ámbito de la creación sonora en el espacio público. Para delimitar el ámbito de estudio entenderemos por espacio público aquellos espacios –urbanos/rurales–que pertenecen al colectivo de ciudadanos y no pueden por tanto ser apropiados sino solo temporalmente. Prestaremos atención a una serie de propuestas artísticas –festivales, eventos, exposiciones y otros formatos– que han incluido o versado sobre lo público en la creación sonora, como también miraremos hacia algunas investigaciones que a modo de creación o acción artística se presentan en la intersección de la creación sonora y los estudios de la arquitectura y la ciudad. No es por lo tanto la intención de estas páginas abarcar todo aquello que se ha realizado en esta dirección, como tampoco lo es establecer una historia del arte sonoro y público español. Se trata más bien de abrir caminos para su escritura en tiempo presente a través de la enumeración de ciertas trayectorias y obras que vienen acompañadas de sugerentes ideas sobre las que continuar trabajando.

>> Lee el texto completo aquí

Augmented Spatiality (Hökarängen, Stockholm)

Augmented spatiality is a public art project for the suburb of Hökarängen in Stockholm in which the artworks, performances and other comprised events are integrated into the social and spatial processes taking place in the public sphere.

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In 1980, the geographer and urban planner Edward Soja coined the term Spatiality to refer to the quality of the space that is inherently social. Having other terms in language related to the spatial, Soja invented this one to denote the space that was produced as a result of the social life. He reflected that way on the production and organization of the social space following the previous work on the topic by Henri Lefebvre.

On this basis Augmented Spatiality is conceived as a public sound art project for the suburb of Hökarängen in Stockholm in which the artworks, performances and other comprised events are taking part of the social and spatial processes of this neighborhood. Addressing on the formation of social space in the city, the project aimed to reflect on the ways in which public art and sound creation operate in the networks of a specific place.

Augmented Spatiality has grown as a collaborative framework of artists, citizens, institutions and public structures in order that the project itself and its development might highlight the ongoing cultural, educational, economical and political events in this suburb of Stockholm. Different topics covering critical walks, gentrification processes, the idea of the local and variations in time of the soundscape and the landscape make the project a ground of experimentation whose results are experienced mainly through the listening sensitivity in Hökarängen, a suburb whose history and present time have additionally shaped the whole process.

More info at: augmented-spatiality.org

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Augmented Spatiality – Hökarängen (Estocolmo)

Augmented Spatiality es el título del evento que estoy organizando este año como parte del programa CuratorLab de la Universidad de Konstfack (Estocolmo) en el que fui admitida para desarrollar un proyecto de investigación en torno a nuevas prácticas de comisariado en el ámbito de la creación contemporánea.

El título del proyecto, Augmented Spatiality, deriva de la expresión ‘realidad aumentada’ para plantear una idea aumentada de la espacialidad o el espacio social a través de la sonoridad o los fenómenos temporales en el espacio urbano. El evento en su conjunto que tendrá lugar en Hökarängen, uno de los barrios periféricos de la ciudad de Estocolmo, se estructura a partir de la noción de ‘espacialidad’ trabajada por Edward Soja dentro de lo que se conoce como la geografía radical. Esta espacialidad de Soja se refiere a un tercer espacio que se construye como consecuencia de las actividades de producción, trabajo y explotación como también de los sentimientos. En el tercer espacio de Soja la alteridad siempre es susceptible de aparecer y participar para expandir el conocimiento del espacio en sí mismo.

Augmented Spatiality surge de las nociones mismas de ‘tercer espacio’ y alteridad centrándose en los procesos generativos de formas -físicas, sociales- en los espacios urbanos. Se desarrollará mayoritariamente en el espacio público, como también intervendrá y colaborará con espacios de acceso público de la zona así como con distintos agentes, colectivos y ciudadanos de este área de la ciudad. Distintos pequeños comercios y espacios de arte entre los que se encuentran Konsthall C o Cigarrvägen 13 serán partícipes asimismo del proyecto. A través del trabajo de los artistas que configuran el proyecto, Augmented Spatiality abordarar el tercer espacio de Hökarängen.

Todo se reúne en el Tercer Espacio: subjetividad y objetividad, lo abstracto y lo concreto, lo real y lo imaginado, lo previsible y lo inimaginable, lo repetitivo y lo diferencial, estructura y agencia, mente y cuerpo, consciencia y lo inconsciente, la disciplina y lo interdisciplinar, la vida cotidiana y la historia sin fin.

(E. Soja, Thirdspace, 1996)

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Vista de la calle peatonal en el barrio de Hökarängen en Estocolmo

Perder la forma humana – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Perder la forma humana” http://radio.museoreinasofia.es/perder_forma_humana
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Los años 80 fueron un momento de gran agitación política en América Latina, diferentes países se ven sometidos a regímenes dictatoriales, guerras internas y estados de sitio que reprimen la libertad de expresión y el cuerpo individual y colectivo de la sociedad. En ese contexto surgieron multitud de grupos y colectivos que desde el espacio de la creación irrumpieron con distintas estrategias en el ambiente represivo en que se hallaban sumergidos. El Museo Reina Sofía recupera en una exposición comisariada por la Red Conceptualismos del Sur muchas de aquellas manifestaciones que se despliegan en un espectro que va desde el teatro a la música, pasando por la serigrafía, el vídeo documental y la performance.

Se recupera de esta manera un valioso material que parecía estar abocado al olvido y que con su presencia nos deja mirar no solo aquellos años concretos de América Latina, sino también su reinterpretación a la luz de la situación global actual. RRS ha hablado con algunos de sus protagonistas, artistas y colectivos que esquivaron la censura con acciones que emplean el dramatismo tanto como la alegría y la ironía. Las aportaciones de Marta Cocco, integrante del TIT (Teatro de Investigaciones Teatrales) Sergio Zevallos del grupo Chaclacayo, Alfredo Márquez del colectivo Bestiarios, la cineasta Sarah Miller y Maris Bustamante integrante del colectivo Polvo de gallina negra, componen un valioso documento que dibuja una visión general trazada a partir de sus experiencias y visiones particulares.

Llorenç Barber “De Sol a Sol” en Madrid

El de Barber es un caso original, característico y claramente reconocible que le sitúa en una posición destacada de la creación sonora contemporánea. Su trabajo con campanas y ciudades que viene sonando desde mediados de los años 80 se ha desarrollado en múltiples lugares de todo el mundo. Lo suyo bien podrían continuar llamándose conciertos, actualizando con ello el término, conciertos o acciones en los que trabaja con distintos instrumentos percusivos ya sean campanas, campanillas, platillos, cenceros… Toda una suerte de sonidos metálicos a los que imprime una nueva sonoridad grupal. Barber trabaja con ellos en el espacio de lo público, en sus acciones esta dimensión de lo compartido, de lo visible y audible por todos, de la esfera pública en definitiva aparece inmersa de una manera muy significativa. No sabe uno en su caso si es la obra la que se sumerge en la esfera pública o si, más bien a la inversa, es la esfera pública la se rinde a los placeres del evento sonoro.

En 1981 Barber construyó su ‘campanario portátil’. El artilugio, que pudo contemplarse el pasado 27 de noviembre en Madrid, no es sino un bastidor de madera del que penden en cinco travesaños horizontales distintos objetos metálicos – piezas y campanas de diversos tamaños y timbres – que el músico toca performativamente, solo o junto a su compañera Montserrat Palacios, añadiendo a estas sonoridades aquellas que suma la voz modulada en la cavidad bucal. Dentro del festival AcciónMad, Llorenç Barber en este caso junto con Montserrat Palacios realizó en el estanque del parque de El Retiro de Madrid una de sus performances tituladas De Sol a Sol.

De sol a sol es siempre y ante todo un reto, un esforzado salirse de la vida abreviada a que nuestro hiperordenado e hiperorganizado mundo social ha reducido el sonar y su orgánico e íntimo escuchar. Un entregarse al son(ar) sin hoja de ruta en mano para perderse donde no hay ya ni minutos ni metros, sino saltos, pasos, trisques, carrerillas, atiborres, vueltas, insistencias, abreves, recuperaciones, regates, palideceres, estancamientos y regodeos: un nuevo cantar/contar  avanzando  frágil pero decidido, suelto y libre, enredoso e inexorablemente grosero, hirsuto aunque  de repente finolis, pero sin casi fin ni conclusión alguna.

En este caso Llorenç y Montserrat, fundidos cada uno en sendas barcas convertidas en una unidad sonora flotante, recordaban a las figuras de los “hombres orquesta” que se mueven y con ello dejan fluir inevitable y casi caprichosamente un reguero de sonido que va y viene por doquier en torno suyo. Algo les diferenciaba sin embargo a los unos de los otros, y es que en este De Sol a Sol la sutileza del sonido no capturaba a la fuerza la atención sino que llegaba seduciendo como ciertas miradas furtivas a los oídos de quienes disfrutaban del espléndido día que bañaba con una transparente luz dorada la experiencia del paseo dominical. Muestra de ello era la percepción de los niños, quienes lejos de quedar absorbidos y embebidos en el escándalo o la atención robada de otros entretenimientos del parque, lo reconocían y lo percibían dentro de una totalidad. Sin sobresalir por tanto de su entorno sino arrastrándole a él, todo el evento sonoro – que duró desde el amanecer hasta que los últimos rayos de sol iluminaron el estanque – se percibía desde la multiplicidad y la hipersensorialidad que son propias del entretenimiento pero también de la vida.

No solo la escucha, también las miradas se regocijaban en la imagen que surcaba a su paso cada una de las barcas sonoras. Tintineos, campanadas, vibraciones mínimas, todo encontraba una respuesta en la mirada próxima del artilugio que se acercaba lentamente como una dama ornamentada de pendientes, fíbulas y otros tesoros de cobre y bronce, que a su paso dejaban esta vez el halo de su perfume hecho sonido.

La noche de los libros se vuelve sonora

Se suceden los mailing que anuncian eventos para La noche de los libros. Son solo unos cuantos ejemplos, pero coinciden al apuntar que este año, en Madrid, el 23 de abril se convertirá no solo en una noche donde todo se vuelve libro y letra, sino también en una noche donde las historias se hacen sonoras y al potencial lector se le busca con sonidos. A quien le apetezca entregarse al evento sonoro, su recorrido podría empezar en la librería Juan Rulfo (c/ Fernando el Católico, 86) donde a partir de las 18.30 h y durante una hora, se puede escuchar el “Paseador de perros. Sonorización” una instalación de Alberto Bernal basada en la novela homónima de Sergio Galarza donde se quiere romper la horizontalidad del texto para hacer de las historias leídas, momentos sonoros que se sitúan en nuestro tiempo de lectura. No muy lejos de allí, lo justo para ir caminando y no llegar tarde, otra instalación, esta vez de carácter performativo e interactivo tendrá lugar en la librería La Fugitiva (c/ Santa Isabel nº 7) donde Arturo Moya Villén y Frame on Frame han preparado “El grito” a partir de las 20.30h. A tiro de piedra queda el Ateneo de Madrid (c/ del Prado, 21), donde el oyente-lector se puede acercar a partir de las 22.30 h. a participar en el happening radiofónico organizado por Miguel Álvarez Fernández, que contará, entre otros, con la presencia de José Iges, Llorenç Barber, Montserrat Palacios, Fernando Millán, … y todos aquellos que se acerquen con un transistor. Allí mismo, a partir de las 24.00 h., Miguel Álvarez Fernández y Ana Vega Toscano presentarán una edición especial del programa Ars Sonora, que se retransmitirá en directo a través de Radio Clásica (RNE). Son solo unos ejemplos, pero todo parece apuntar que la Noche de los libros necesita oyentes, y eso, da qué pensar.

Festival Borealis 2010

Borealis es un festival internacional de música contemporánea, ruidismo y arte sonoro que tiene lugar cada año en Bergen, Noruega. La edición de 2010, entre el 9 y el 13 de marzo, presenta un programa muy interesante de performances, music-theatre e instalaciones sonoras. Entre los artistas que participarán en esta edición destaca el compositor minimalista Phill Niblock quien dará un concierto junto al músico y artista de instalaciones Thomas Ankersmit, o el artista alemán Gerhard Eckel que montará la instalación ‘Catabolizer’ con la que interactuarán los conciertos de David Helbich, ‘Social Piece’ y el de Anders Førisdal y Laurence Crane. El programa completo puede consultarse en http://borealisfestival.no/2010/

Maryanne Amacher (1938-2009)

La compositora americana y artista de instalaciones sonoras Maryanne Amacher falleció el pasado 22 de octubre en Rhinebeck, N.Y. Con su marcha, el 2009 se lleva consigo a otra de las grandes figuras de la creación y la composición contemporáneas.  Amacher, poco conocida dentro de nuestras fronteras, contaba sin embargo con una dilatada trayectoria profesional. La que aquí escribe nunca ha experimentado en vivo ninguna de sus obras, sin embargo leyendo sobre ellas puede uno concluir que llevaba a los oyentes al extremo de la audición, generando una escucha límite con sus conciertos o performance (ya que a Maryanne Amacher le gustaba dejarse ver con su peculiar aspecto).  Amacher se alejó, como ya lo hicieran otros, de los escenarios convencionales de la música. Alumna de Karlheinz Stockhausen, aprendió y desarrolló una preocupación por el espacio del sonido. En algunas de sus instalaciones trabajó con el sonido inducido que se transmite, al menos en parte, por la estructura arquitectónica de los espacios intervenidos; en 1967 recurrió a la retransmisión radiofónica en su proyecto City Links, que duró más de diez años y consistió fundamentalmente en la deslocalización geográfica del sonido. Así durante tres años, por ejemplo, escuchó en vivo en su estudio la retransmisión del muelle número 6 del puerto de Boston (Pier 6 Boston Harbor). No es fácil encontrar información de esta artista aunque parece que con su muerte llega la resistencia a la desaparición y el olvido. Recientemente se ha puesto en marcha el Amacher Archive Project que promete darnos más información de su obra. En este enlace http://www.ecstaticpeace.com/daytrip/ se pueden ver algunos vídeos de su colaboración con Thurston Moore miembro de Sonic Youth.


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