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RRS · Budhaditya Chattopadhyay · The Well Tempered City: Book II

Realización y edición de contenidos para RRS – http://radio.museoreinasofia.es
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Escucha la pieza de Budhaditya Chattopadhyay The Well Tempered City: Book II que ha creado dentro del programa Modernidad y Transducción de la Radio del Museo Reina Sofía que he coordinado junto a José Luis Espejo y Rubén Coll. http://radio.museoreinasofia.es/budhadityachattopadhyay

Listen the sound piece by Budhaditya Chattopadhyay The Well Tempered City: Book II created as part of the programme Modernity and Transduction at the Radio of the Museo Reina Sofía. This was my commission for this programme coordinated together to José Luis Espejo and Ruben Coll. Listen the podcast here! http://radio.museoreinasofia.es/budhadityachattopadhyay/en

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The Well Tempered City_image

© Budhaditya Chattopadhyay. The Well Tempered City: Book II


The Well Tempered City: Book II
aborda el concepto de transducción con relación a la ciudad india de Bangalore y al concepto de hipermodernidad. La obra, vinculada a una escucha mediada por el uso de dispositivos electrónicos, traduce en secuencias sonoras las vibraciones provocadas por los ciudadanos que transitan la ciudad en su interacción con la arquitectura. Así se compone una textura de sonoridades que se va haciendo en su progresión más densa y rica en variaciones.

La transformación en esta pieza de las vibraciones en sonidos audibles desvela a través de la escucha un espectro de transferencias de la actividad de los individuos al espacio urbano. Como una suerte de respiración artificial del contexto, la presencia de los ciudadanos se convierte en The Well Tempered City en el impulso que dota de vida a la arquitectura, que como organismo vivo responde con ligeros movimientos que convierten a la ciudad en carcasa vibrante y geológica.

Quien interroga a la ciudad, Budhaditya Chattopadhyay, no escucha tanto a los individuos como a las superficies donde las memorias de estos quedan fundidas, amalgamadas, como diluyendo las identidades en favor de una sonoridad colectiva del entorno urbano.

Budhaditya Chattopadhyay es un artista e investigador sonoro/multimedia que trabaja entre India y Europa. Su trabajo incluye grabaciones de campo, música acusmática y electroacústica, instalaciones sonoras/audiovisuales y composiciones para actuaciones en directo individuales y en grupo.

Dominique Gonzalez-Foerster (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Dominique Gonzalez-Foerster. Splendide Hotel”
http://radio.museoreinasofia.es/Dominique-Gonzalez-Foerster
./English/. Listen the radio podcast here!
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La instalación Splendide Hotel de Dominique Gonzalez-Foerster (Estrasburgo, Francia, 1965) concibe el año de construcción del Palacio de Cristal como comienzo de una ficción de la que el espectador será su máximo artesano y protagonista.

1887 es el punto de partida de un relato abierto que convierte la arquitectura del Palacio de Cristal en la carcasa de un luminoso Splendide Hotel cuya única estancia, transparente y de arquitectura similar a la del palacio, queda aislada en el centro del espacio.

Cerrada e inaccesible al paso del espectador, esta habitación produce el efecto de permanecer fuera aún sabiéndonos dentro. Como una suerte de escenario en torno al que transita el visitante, la estancia cerrada convierte al espectador en actor de una historia que está por contar y cuyos posibles caminos se encuentran tal vez sugeridos en los títulos que aparecen agrupados y frágilmente sujetos a las mecedoras de estilo decimonónico que pueblan el espacio. Será desde allí, desde donde otros visitantes – huéspedes ya del hotel, hilvanen su viaje al de personajes de historias otras.

./English/.

The installation Splendide Hotel by French artist Dominique Gonzalez-Foerster (Strasbourg, France, 1965) takes the year of construction of the Palacio de Cristal as the starting point of a fiction conceived for the spectator to play a key role as both the exhibition’s protagonist and ultimate craftsman.

1887 is the starting point of an open-ended narration that turns the architecture of the Palacio de Cristal into the containing frame of a luminous Splendide Hotel whose only room, both transparent and built in a style that matches the palace’s architecture, is isolated in the centre of the exhibition space.

Closed and inaccessible, the room has the double effect of simultaneously turning the spectator into an insider and an outsider: it functions as a stage around which the visitors revolve, turning them into the actors of a story which is yet to be told. The different, possible narrative lines are merely sketched out: they delicately appear bound together in the form of books that are tied to the 19th century style rocking chairs populating the exhibition space- and it will be precisely from these rocking chairs that, having already become the hotel’s guests, other visitors will weave their journey in a way that it intermingles with the characters of other stories.

Mayrit. Acciones Sonoras – Akio Suzuki & Aki Onda

Mañana, sábado 8 de marzo y el domingo 9 tendrán lugar sendos paseos sonoros por el barrio de Delicias de Madrid con Akio Suzuki y Aki Onda. El evento es la primera parte del proyecto Mayrit comisariado por José Luis Villalobos y Jorge López Conde. La siguiente cita será en mayo con los artistas Alex Mendizábal y Brandon Labelle. A la espera de lo que suceda en mayo, en esta ocasión el evento terminará con una comida y charla con los artistas en la que tengo el gusto de participar junto a Ruben Coll, Miguel Álvarez-Fernández y José Luis Espejo como moderador de la conversación.

La salida es a las 11am desde La Casa Encendida. Más información: http://www.lacasaencendida.es/es/grupo-eventos/mayrit-3071

En la siguiente información, proporcionada por el proyecto, tenéis más detalles sobre el evento de este fin de semana y los artistas Akio Suzuki y Aki Onda.

Mayit. Acciones sonoras por Madrid

Pasear con oídos abiertos y ojos entornados, en una visita a diferentes espacios del Barrio de Delicias y del Parque Tierno Galván que serán sonorizados por Akio Suzuki (instrumentos acústicos) y Aki Onda (casetes y amplificador). Un paseo sonoro junto a los artistas japoneses (acaban de publicar su primer álbum juntos, en el sello Oral) en el que recorreremos espacios de características muy diferentes, y que nos permitirá, a través de la práctica sonora (con especial énfasis en el uso de la reverberación y el eco) de estos artistas, escuchar Madrid de una forma muy diferente. El paseo acabará en una comida y charla junto a los artistas y otros invitados en LCE: una sobremesa para profundizar en el pensamiento y la práctica sonora de dos artistas excepcionales.

AKIO SUZUKI Legendario artista sonoro japonés, Akio Suzuki ha actuado, construido instrumentos, y presentando instalaciones sonoras desde hace 40 años. Su música es simple y pura, explorando cómo ambientes naturales y sonidos se pueden dominar para luego volver a ponerlos en libertad. Experimentar su arte es perderse en el sonido que nos rodea. Akio actúa con una serie de instrumentos de fabricación propia, incluyendo el Analapos – un instrumento que él inventó en la década de 1970 que crea ecos a través de las transmisiones acústicas de un cable en espiral que se extiende entre dos cilindros de metal -, De Koolmees – consistentes en tubos de vidrio huecos suspendidos sobre un marco-, y una antigua flauta de piedra (Iwabue) transmitida de padres a hijos en su familia desde hace muchas generaciones. Akio ha colaborado con Toru Takemitsu, Takehisa Kosugi, Derek Bailey, Peter Brötzmann, Steve Lacy y Juan Carnicero, entre otros.

AKI ONDA es un músico electrónico, compositor y artista visual. Nació en Japón y actualmente reside en Nueva York. Es particularmente conocido por su proyecto Cassette Memories – trabajos compilados a partir de un “diario sonoro” de grabaciones de campo realizadas por él mismo en un lapso de dos décadas. Su instrumento musical es el casete Walkman. No sólo captura grabaciones de campo con el Walkman, también manipula físicamente múltiples walkmans a través de diferentes efectos en sus actuaciones. En los últimos años Aki ha trabajado a menudo en proyectos interdisciplinarios, junto a cineastas, coreógrafos y artistas visuales. Ha colaborado con Michael Snow, Ken Jacobs, Paul Clipson, Alan Licht, Loren Connors, Oren Ambarchi, Noël Akchoté, Jean-François Pauvros, Jac Berrocal, Lionel Marchetti, Linda Sharrock y Blixa Bargeld.

Programa Fisuras (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Cildo Meireles”
http://radio.museoreinasofia.es/Programa-Fisuras
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El programa Fisuras es una plataforma del Museo Reina Sofía que ofrece el espacio del Museo a artistas para que produzcan obra nueva. Este año, el programa reúne cuatro propuestas de artistas internacionales que podrán verse hasta el próximo 6 de enero de 2014: Gabriel Acevedo Velarde, Maria Loboda, Manuel Saiz y Alejandra Riera.

En esta ocasión la Radio del Museo Reina Sofía ha conversado con tres de estos artistas que han explicado el origen e intención de sus propuestas en el Museo. La intervención Las Fieras de Maria Loboda (Cracovia, 1979) la componen un conjunto de objetos que ocupan uno de los pasillos del edificio Sabatini. De esta forma construye la artista una narrativa donde historia y simbología cobran una nuevo significado dentro del espacio museístico.

El artista peruano Gabriel Acevedo (Lima, 1976) reconstruye una particular sala de cine realizada con sillas del almacén del Museo para mostrar un programa ficticio de televisión cuyo tema son los fenómenos paranormales en los edificios del Estado en Perú. Toda su exposición reflexiona sobre los espacios intermedios de fricción y mezcla que se producen entre la afectividad individual de las personas y la coexistencia de los medios y el Estado.

Finalmente la pieza de Manuel Saiz (Logroño, 1961) se centra en una performance que propuso el pasado 28 de septiembre un cuidado mecanismo para abordar la espinosa cuestión de qué es el arte. Una serie de entrevistas realizadas públicamente en el Museo buscaron que cada entrevistado expresara su conocimiento relativo al tema abordado. Hasta el próximo 6 de enero se verá en el auditorio de Sabatini la grabación de aquella performance.

Augmented Spatiality (Hökarängen, Stockholm)

Augmented spatiality is a public art project for the suburb of Hökarängen in Stockholm in which the artworks, performances and other comprised events are integrated into the social and spatial processes taking place in the public sphere.

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In 1980, the geographer and urban planner Edward Soja coined the term Spatiality to refer to the quality of the space that is inherently social. Having other terms in language related to the spatial, Soja invented this one to denote the space that was produced as a result of the social life. He reflected that way on the production and organization of the social space following the previous work on the topic by Henri Lefebvre.

On this basis Augmented Spatiality is conceived as a public sound art project for the suburb of Hökarängen in Stockholm in which the artworks, performances and other comprised events are taking part of the social and spatial processes of this neighborhood. Addressing on the formation of social space in the city, the project aimed to reflect on the ways in which public art and sound creation operate in the networks of a specific place.

Augmented Spatiality has grown as a collaborative framework of artists, citizens, institutions and public structures in order that the project itself and its development might highlight the ongoing cultural, educational, economical and political events in this suburb of Stockholm. Different topics covering critical walks, gentrification processes, the idea of the local and variations in time of the soundscape and the landscape make the project a ground of experimentation whose results are experienced mainly through the listening sensitivity in Hökarängen, a suburb whose history and present time have additionally shaped the whole process.

More info at: augmented-spatiality.org

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Website Augmented Spatiality online!

I am happy to announce that the website of the project ‘Augmented Spatiality’ that I am curating in Stockholm is now online. http://augmented-spatiality.org

Augmented spatiality is a public sound art project for the suburb of Hökarängen in Stockholm in which the artworks, performances and other comprised events are integrated into the social and spatial processes taking place in the public sphere.

Website Augmented Spatiality

A las ciudades se las conoce, como a las personas, en el andar

English version below  

La revista de investigación Arte y políticas de la identidad de la Universidad de Murcia ha publicado su último número titulado Entre el arte sonoro y el arte de la escucha en el que un grupo de investigadores y expertos en la materia han escrito distintas aproximaciones a la creación sonora y el pensamiento aural.

Mi aportación a este número recoge – actualizada – una parte de la tesis doctoral que defendí el año 2010 en la Universidad Complutense de Madrid. El artículo presenta un marco de estudio para la instalación sonora a partir de diferentes posturas adoptadas con relación a la ciudad por creadores y teóricos del ámbito urbano. Se aborda el interés por la temporalidad que tuvo lugar a mediados del siglo XX tanto en el ámbito artístico (Internacional Situacionista, Happenings) como en el urbanístico-sociológico (Kevin Lynch, Henri Lefebvre) y que coincide además con el arranque de la instalación sonora en el espacio público por parte de Max Neuhaus.

Puedes leer el artículo, titulado A las ciudades se las conoce, como a las personas, en el andar: Orígenes de la instalación sonora en el espacio público en el marco del urbanismo y la sociología de los años 60 en el siguiente enlace >> leer el artículo completo

Ref. bibliográfica
Andueza, María. “A las ciudades se las conoce, como a las personas, en el andar: Orígenes de la instalación sonora en el espacio público en el marco del urbanismo y la sociología de los años 60” en Arte y políticas de la identidad. Vol.7, 2012. Universidad de Murcia. ISSN electrónico: 1989-8452, ISSN impreso: 1889-979X

||| English version |||

The scientific online and printed magazine Arte y políticas de la identidad, edited by the Universidad de Murcia, has published the 7 issue of 2012. Entre el arte sonoro y el arte de la escucha (In between sound art and the art of listening) the volume collects papers of researchers and experts in the topic of sound creation and all the areas that collides with it. 

My paper, Cities, like people, can be recognized by their walk. Origins of Urban Sound Installations in the frame of Urbanism and Sociology of the 1960’s, shows – updated- a fragment of the PhD dissertation Art, Sound and City. A context for urban sound installations (2010) that I developed at the Complutense University of Madrid. It presents a frame for the study of sound installations in relationship to different approaches to the city by artists and urban theoreticians. The paper deals with the significance of temporality in mid XXth Century in some artistic manifestations (Situationist International, Happenings) as well as in Sociology and Urbanism (Henri Lefebvre, Kevin Lynch) to point at the beginning in that moment of urban sound installations by the hand of Max Neuhaus. 

You can read the article following this link: Cities, like people, can be recognized by their walk.

Llorenç Barber “De Sol a Sol” en Madrid

El de Barber es un caso original, característico y claramente reconocible que le sitúa en una posición destacada de la creación sonora contemporánea. Su trabajo con campanas y ciudades que viene sonando desde mediados de los años 80 se ha desarrollado en múltiples lugares de todo el mundo. Lo suyo bien podrían continuar llamándose conciertos, actualizando con ello el término, conciertos o acciones en los que trabaja con distintos instrumentos percusivos ya sean campanas, campanillas, platillos, cenceros… Toda una suerte de sonidos metálicos a los que imprime una nueva sonoridad grupal. Barber trabaja con ellos en el espacio de lo público, en sus acciones esta dimensión de lo compartido, de lo visible y audible por todos, de la esfera pública en definitiva aparece inmersa de una manera muy significativa. No sabe uno en su caso si es la obra la que se sumerge en la esfera pública o si, más bien a la inversa, es la esfera pública la se rinde a los placeres del evento sonoro.

En 1981 Barber construyó su ‘campanario portátil’. El artilugio, que pudo contemplarse el pasado 27 de noviembre en Madrid, no es sino un bastidor de madera del que penden en cinco travesaños horizontales distintos objetos metálicos – piezas y campanas de diversos tamaños y timbres – que el músico toca performativamente, solo o junto a su compañera Montserrat Palacios, añadiendo a estas sonoridades aquellas que suma la voz modulada en la cavidad bucal. Dentro del festival AcciónMad, Llorenç Barber en este caso junto con Montserrat Palacios realizó en el estanque del parque de El Retiro de Madrid una de sus performances tituladas De Sol a Sol.

De sol a sol es siempre y ante todo un reto, un esforzado salirse de la vida abreviada a que nuestro hiperordenado e hiperorganizado mundo social ha reducido el sonar y su orgánico e íntimo escuchar. Un entregarse al son(ar) sin hoja de ruta en mano para perderse donde no hay ya ni minutos ni metros, sino saltos, pasos, trisques, carrerillas, atiborres, vueltas, insistencias, abreves, recuperaciones, regates, palideceres, estancamientos y regodeos: un nuevo cantar/contar  avanzando  frágil pero decidido, suelto y libre, enredoso e inexorablemente grosero, hirsuto aunque  de repente finolis, pero sin casi fin ni conclusión alguna.

En este caso Llorenç y Montserrat, fundidos cada uno en sendas barcas convertidas en una unidad sonora flotante, recordaban a las figuras de los “hombres orquesta” que se mueven y con ello dejan fluir inevitable y casi caprichosamente un reguero de sonido que va y viene por doquier en torno suyo. Algo les diferenciaba sin embargo a los unos de los otros, y es que en este De Sol a Sol la sutileza del sonido no capturaba a la fuerza la atención sino que llegaba seduciendo como ciertas miradas furtivas a los oídos de quienes disfrutaban del espléndido día que bañaba con una transparente luz dorada la experiencia del paseo dominical. Muestra de ello era la percepción de los niños, quienes lejos de quedar absorbidos y embebidos en el escándalo o la atención robada de otros entretenimientos del parque, lo reconocían y lo percibían dentro de una totalidad. Sin sobresalir por tanto de su entorno sino arrastrándole a él, todo el evento sonoro – que duró desde el amanecer hasta que los últimos rayos de sol iluminaron el estanque – se percibía desde la multiplicidad y la hipersensorialidad que son propias del entretenimiento pero también de la vida.

No solo la escucha, también las miradas se regocijaban en la imagen que surcaba a su paso cada una de las barcas sonoras. Tintineos, campanadas, vibraciones mínimas, todo encontraba una respuesta en la mirada próxima del artilugio que se acercaba lentamente como una dama ornamentada de pendientes, fíbulas y otros tesoros de cobre y bronce, que a su paso dejaban esta vez el halo de su perfume hecho sonido.

Soledad Sevilla – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Soledad Sevilla. Escrito en los cuerpos celestes” siguiendo este enlace http://radio.museoreinasofia.es/soledad-sevilla
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La artista Soledad Sevilla ha creado en el Palacio de Cristal una arquitectura que repite, delimitándolo y redibujándolo, el lugar y las proporciones del antiguo invernadero del parque de El Retiro. Sorprende escuchar a la artista explicar a la Radio del Museo Reina Sofía su forma de construir en el espacio. Las ideas encuentran con la llegada del espacio su lugar y su forma. En la instalación que ha creado la luz y el lenguaje – abstracto ya que solo emplea los signos lingüísticos de puntuación, son los protagonistas simbólicos a los que recurre la artista para sugerir todas aquellas cosas que suceden sin un aparente motivo pareciendo sin embargo estar sujetas a algo predeterminado y escrito ya con antelación en los cuerpos celestes.

La dilatada trayectoria de la artista le valió el Premio Nacional de Artes Plásticas a principios de los noventa, en 1993. Ya entonces llevaba Soledad Sevilla cerca de una década compaginando su labor prioritaria como pintora con la creación de instalaciones artísticas realizadas, como en esta ocasión en el Palacio de Cristal, para lugares específicos. Sus instalaciones suelen evocar lo intangible a través de los procesos orgánicos sometidos al tiempo y sus condiciones particulares. En este caso, en la instalación Escrito en los cuerpos celestes el tiempo parece suspenderse en el abismo del Cosmos, como queriendo evocar un infinito donde los cuerpos son solo un pequeño punto más de su materialidad.

>> La instalación Escrito en los cuerpos celestes se puede visitar hasta el próximo 29 de abril en el Palacio de Cristal del Parque de El Retiro.

Oteiza y el cine – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Oteiza y el cine” siguiendo este enlace http://radio.museoreinasofia.es/oteiza-y-el-cine
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Jorge Oteiza (1908-2003), escultor comprometido, fue capaz de abandonar la escultura por entender que había alcanzado la solución última en su búsqueda existencial de la Nada. Después del Propósito experimental que concluyó en 1957 y le valió el gran premio de escultura de la IV Bienal de São Paulo, Oteiza decidió dejar a un lado la escultura y su última formalización – las cajas metafísicas ­- entendiendo que la verdadera creación, la verdadera transformación estética había de sucederle al individuo en la vida, en el ámbito social.

Nunca dejó sin embargo de ser Jorge Oteiza escultor. Lo fue de palabras y pensamientos de gran plasticidad no solo conceptual sino también tangible sensorialmente. Son numerosos los escritos de gran envergadura para la estética del arte español que quedan reunidos en libros de autor como Quosque tandem…! (1963) o, Ejercicios espirituales en un túnel (1965).

Fue Jorge Oteiza un creador total; escultor, esteta y poeta pero también cineasta, faceta menos conocida del artista que el ciclo Oteiza y el cine se encarga de desvelar a través de un conjunto de entrevistas realizadas con motivo de la publicación del libro homónimo (editado por la Fundación Museo Jorge Oteiza en colaboración con el Museo Reina Sofía, 2011). El libro desvela con esmero algunos de los entresijos del Oteiza cineasta y saca a la luz los dos guiones del proyecto Acteón .

Los proyectos de Oteiza en el cine no cristalizaron. Sus intentos llegan en forma de dos guiones Escenario de Acteón y Estética de Acteón que encierran una profunda reflexión sobre el cine como no podía ser de otra forma en Jorge Oteiza. A través de las entrevistas concedidas por los estudiosos Santos Zunzunegui – comisario del ciclo audiovisual realizado en el Museo – Jenaro Talens, Gabriel Villota y los directores de cine Javier Aguirre y Paulino Viota, la Radio del Museo Reina Sofía contribuye a conocer más la extraordinaria figura del escultor y creador vasco Jorge Oteiza.


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