Creación y esfera pública
Como parte de las jornadas sobre «Prácticas artísticas contemporáneas» organizadas por el Máster de Estudios Avanzados de Arte Español, presentaré a los asistentes mi trabajo de creación e investigación el próximo día 15 de abril en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid.
Consulta en el siguiente enlace el Programa de las Jornadas La Creatividad (UCM)
Ayer, 24 de marzo, di una clase sobre creación sonora en el Istituto Europeo di Design de Madrid dentro del módulo de sonido del curso de Artes Digitales y diseño de experiencias. En la clase, además de hacer una aproximación lo más panorámica y variada posible a la creación sonora, abordando la perspectiva histórica pero también las nuevas aperturas que en estos últimos años se están dando en el ámbito del contexto social, aprovechamos para repensar algunas acciones sonoras y ejecutarlas desde parámetros actuales. Así, los participantes en el seminario trabajaron con partituras Fluxus, guiones de artistas como Esther Ferrer y con poemas fonéticos que actualizaron con los lenguajes de los dispositivos móviles, las dinámicas de las redes sociales o la performance sumada al empleo de fuentes de sonido procedentes de los móviles. ¡Los resultados fueron sorprendentes! Poesía 3.0 para sonidos de móvil, una performance donde el cuerpo orientaba el sonido en el espacio y partituras de acciones potencial y poéticamente muy sonoras. Muy interesante.
Este jueves, 26 Febrero, a las 17h participo en las III jornadas de Creación Electroacústica organizadas por Máster en Composición Electroacústica CSKG que se extenderán hasta el domingo 1 de marzo y acogen entre otros, conferencias, talleres y master classes con Trevor Wishart y Mesías Maiguashca y encuentros con Eduardo Polonio y José Manuel Berenguer.
Mi charla «El lugar como calle. La creación sonora como situación de encuentro, demostración, conflicto y apropiación» está enmarcada en una sesión en la que abordaremos la extensiones del sonido más allá de lo musical y en la que participará también Ramón del Castillo.
Todas las conferencias son de libre acceso.Os esperamos en el Centro Superior de Enseñanza Musical Katerina Gurska (C/ Santa Engracia, 181, Madrid).
Realización y edición de contenidos para RRS – http://radio.museoreinasofia.es
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Escucha el contenido de la cápsula «Janet Cardiff & George Bures Miller. El hacedor de marionetas» http://radio.museoreinasofia.es/Janet-Cardiff-y-George-Bures
Listen the radio podcast here! http://radio.museoreinasofia.es/Janet-Cardiff-y-George-Bures/en
Janet Cardiff y George Bures Miller nos sumergen en esta instalación en un mundo de ensoñación donde los objetos parecen resurgir de su inerte existencia para recrear pequeñas escenas animadas que construyen una ficción.
Una vieja caravana en el centro del Palacio de Cristal dentro del Parque del Retiro recibe al espectador repleta de pequeñas marionetas movidas por motores que reconstruyen escenas audiovisuales que parecen entretener a una mujer tendida al fondo del vehículo. Tal vez el espectáculo que reconstruye El hacedor de marionetas no sea sino sueño en el que ella está sumergida y en el que nosotros, como espectadores, nos inmiscuimos como voyeurs sin interferir un ápice en la historia.
Una suerte de pequeños escenarios que enmarcan cada una de las ventanas de la caravana cobran sentido en la narración temporal y sonora que esconde esta instalación y que se mezclan con las pequeñas dosis de fingida realidad que también forman parte de ella en términos sonoros.
La pareja de artistas canadienses, Cardiff y Miller, nos desvelan en la entrevista que concedieron para RRS algunas de las ideas que alberga esta instalación que han creado específicamente para el Palacio de Cristal.
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The installation by Janet Cardiff and George Bures Miller immerses us in a dream-like world, where objects seem to regain consciousness from their inert state to recreate small animated scenes that build a fictional story.
In the centre of the Palacio de Cristal, inside the Retiro Park, viewers come across an old caravan replete with small motorised marionettes reconstructing audiovisual scenes that appear to be entertaining a woman lying at the back of the vehicle. Perhaps the reconstructed setting (The Marionette Maker) is nothing but a dream she is immersed in, where we spectators peer into it as voyeurs, without the slightest interference in the narrative.
A number of small scenes framing each of the caravan’s windows gain meaning in the temporary soundtrack that conceals this installation and are mixed with small doses of simulated reality that also forms part of it, in sound terms.
In an interview with RRS, the Canadian husband-and-wife artists Cardiff and Miller reveal some of the ideas behind this installation, created specifically for the Palacio de Cristal.
Realización y edición de contenidos para RRS – http://radio.museoreinasofia.es
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Escucha la pieza de Budhaditya Chattopadhyay The Well Tempered City: Book II que ha creado dentro del programa Modernidad y Transducción de la Radio del Museo Reina Sofía que he coordinado junto a José Luis Espejo y Rubén Coll. http://radio.museoreinasofia.es/budhadityachattopadhyay
Listen the sound piece by Budhaditya Chattopadhyay The Well Tempered City: Book II created as part of the programme Modernity and Transduction at the Radio of the Museo Reina Sofía. This was my commission for this programme coordinated together to José Luis Espejo and Ruben Coll. Listen the podcast here! http://radio.museoreinasofia.es/budhadityachattopadhyay/en
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The Well Tempered City: Book II aborda el concepto de transducción con relación a la ciudad india de Bangalore y al concepto de hipermodernidad. La obra, vinculada a una escucha mediada por el uso de dispositivos electrónicos, traduce en secuencias sonoras las vibraciones provocadas por los ciudadanos que transitan la ciudad en su interacción con la arquitectura. Así se compone una textura de sonoridades que se va haciendo en su progresión más densa y rica en variaciones.
La transformación en esta pieza de las vibraciones en sonidos audibles desvela a través de la escucha un espectro de transferencias de la actividad de los individuos al espacio urbano. Como una suerte de respiración artificial del contexto, la presencia de los ciudadanos se convierte en The Well Tempered City en el impulso que dota de vida a la arquitectura, que como organismo vivo responde con ligeros movimientos que convierten a la ciudad en carcasa vibrante y geológica.
Quien interroga a la ciudad, Budhaditya Chattopadhyay, no escucha tanto a los individuos como a las superficies donde las memorias de estos quedan fundidas, amalgamadas, como diluyendo las identidades en favor de una sonoridad colectiva del entorno urbano.
Budhaditya Chattopadhyay es un artista e investigador sonoro/multimedia que trabaja entre India y Europa. Su trabajo incluye grabaciones de campo, música acusmática y electroacústica, instalaciones sonoras/audiovisuales y composiciones para actuaciones en directo individuales y en grupo.
Trazar la ruta del arte sonoro español en el espacio público no es tarea fácil. No lo es por tratarse de un ámbito un tanto deslavazado o inconexo en el que las aportaciones aparecen y desaparecen sin seguir ningún orden ni tampoco ninguna corriente de ideas o tendencia puntual. En este sentido se presenta la producción sonora española como un terreno en el que aparecen diseminados artistas y obras de distinta relevancia. Son figuras consistentes sin embargo las que componen este paisaje de formas particulares que de unos años a esta parte ha visto crecer de forma generosa su diversidad. A lo largo de las siguientes páginas abordaremos algunas de las trayectorias más prolíficas, como también intervenciones que de forma puntual han realizado algunos artistas y que suman información apreciable al ámbito de la creación sonora en el espacio público. Para delimitar el ámbito de estudio entenderemos por espacio público aquellos espacios –urbanos/rurales–que pertenecen al colectivo de ciudadanos y no pueden por tanto ser apropiados sino solo temporalmente. Prestaremos atención a una serie de propuestas artísticas –festivales, eventos, exposiciones y otros formatos– que han incluido o versado sobre lo público en la creación sonora, como también miraremos hacia algunas investigaciones que a modo de creación o acción artística se presentan en la intersección de la creación sonora y los estudios de la arquitectura y la ciudad. No es por lo tanto la intención de estas páginas abarcar todo aquello que se ha realizado en esta dirección, como tampoco lo es establecer una historia del arte sonoro y público español. Se trata más bien de abrir caminos para su escritura en tiempo presente a través de la enumeración de ciertas trayectorias y obras que vienen acompañadas de sugerentes ideas sobre las que continuar trabajando.
Immigrant Sounds was a participatory exploration of the urban space proposed by María Andueza and Abelardo Gil-Fournier throughout concepts such as presence, permanence, displacement or settlement. During the performance the participants freely moved in a particular area of the city of Stockholm while carrying a small electronic device that broadcasted a cicada-like sound, characteristic of the sonic environment of southern countries. A set of ideas and questions were provided to each participant in order to stimulate his/her specific exploration of the urban social environment.
Immigrant Sounds was part of Re(s)on-Art, an International Artistic Research Event with actions in Public Space held in Stockholm between September 9-12, 2014 at ArkDes, Skeppsholmen and throughout Stockholm. Re(s)on-Art was organized by Monica Sand and Ricardo Atienza, artists and researchers in ArkDes, the museum of Architecture and Design of Stockholm.
Re(son)-Art – the art of resonating with/in/through the city – intends to explore everyday situations in public space and encourage daily urban awareness by collective actions. A number of interventions will be arranged in Stockholm by the conference participants, based on their research and artistic practice. Everyone is most welcome to participate actively in all events of Re(s)on-Art!
Following you can find the list of artists participating and the title of the proposed actions:
Maria Andueza / Abelardo Gil-Fournier (Spain): Immigrant Sounds
José Luis Carles / Cristina Palmese (Spain, Italy): Exploring the walk
Ulrika Jansson (Sweden): Natural Citizenship
Guillermo Lares (Venezuela, Germany): Ensayos con fuentes sonoras
My Lindh / Monica Sand (Sweden): Rösträtt/Suffrage
Pavel Matveyev (Sweden / Russia): I wanted you to feel the same #1
Pablo Padilla (UK): Verklärte Stadt
Cecilia Parsberg (Sweden): Kropp på gata
Chris Porcarelli (USA, Sweden): Soniferous Mingle
Jenny Simmar / Olivia Berkowicz / Joe Campbell (Sweden): Vigil III
Tao G. Vrhovec Sambolec (Norway): Rhythms of Presence – Heare Drum
Tianji Zhao / Max Gerthel (Sweden): Hold your breath
All the events of Re(s)on-Art are public and free of charge. More information and the updated schedule at: http://playingthespace.wordpress.com/2014/04/29/reson-art/
Next July 19 I will be presenting some ideas on my research on Sound Art and Public Art as part of the symposium Invisible Places held at the Escola Superior de Educação of Viseu in Portugal. For the complete agenda of the symposium visit the web invisibleplaces.org
An Inclusive Approach to Sound Creation in ‘Art in-the-public’ interest
My paper takes up an approach to sound art creation in the public art sphere. Addressed in line with the perspectives on public art by some of the critical authors and artists in the field as Arlene Raven or Susanne Lacy, the paper reinforces the analysis of the sound art practice in the public sphere related to notions of commitment, ephemerality or temporality which are crucial for the ‘art in-the-public interest’ paradigm and, broadly understood, for the public art today.
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The last issue of the French magazine TACET edited by Yvan Etienne, Bertrand Gauguet and Matthieu Saladin and published by the Haute école des arts du Rhin deals with the topic of Sound Space.
As mentioned in the editorial this issue of Tacet could be considered as an itinerary, proposing to trace sound space through its study, allowing each individual reader to wander through the issue, configuring as many possible itineraries as there are readers.
I am glad to contribute to this issue of Tacet together to the rest of the authors: Alvin Lucier, Kirsi Peltomäki, Michael Asher, Seth Cluet, Jeffrey Mansfield, Michael Gallagher, Arthur Stidfolde, Éric La Casa & Jean-Luc Guionnet, Christina Kubisch, Maryanne Amacher, Paul Panhuysen, Douglas Kahn, Emmanuel Holterbach, Christian Wolff, Paul Hegarty, Ivana Miladinovic Prica and Tom Mays.
My article, Spatiality and Public takes up a problem of definition that has been often debated in the field of Sound Art and moves it to the field of Public Sound Art: What’s the role of the latter, as a group of works created with sound in the public space, in contemporary art? Are we enriching the field by validating this expression? The paper addresses these questions at the same time it focuses on ‘spatiality’ a concept used by Edward Soja to describe the socially-produced spaces, that sound sound creation tackles within the public space.
> Available at Les presses du réel – http://lespressesdureel.com
Realización y edición de contenidos para RRS – http://radio.museoreinasofia.es
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Escucha el contenido de la cápsula «Playgrounds. Reinventar la plaza»
http://radio.museoreinasofia.es/Playgrounds
Listen the radio podcast here! http://radio.museoreinasofia.es/Playgrounds/en
El juego es más viejo que la cultura. Con esta frase comienza el estudio Homo Ludens (1938) del historiador Johan Huizinga, cuya tesis central sostiene que la cultura aparece en forma de juego – o dicho de otro modo, que la cultura en sus manifestaciones iniciales evoluciona en las formas y con el ánimo propios del juego.
A partir de esta visión de Huizinga, completada con la aproximación no competitiva al juego que propusiera la Internacional Situacionista, proponemos un recorrido – a modo de deriva, guiado por las once reglas del juego que en 1959 Allan Kaprow indicara en How to make a happening (Cómo hacer un happening). Un viaje cuya ruta describe uno de los muchos mapas que se podrían trazar de la aproximación de la creación a la esfera pública. Una ruta donde el espíritu participativo y crítico del arte se revela en un conjunto de obras que transforman progresivamente el paisaje en un espacio público y ciudadano.
./English/.
Play is older than culture. With this phrase begins Homo Ludens. A Study of the Play Element in Culture, published by the historian Johan Huizinga in 1938. Huizinga sustains, as the book’s central thesis, that culture appears in the form of play – or to put it another way, that culture in its early manifestations evolves through the forms of and with the spirit of play.
Using Huizinga’s vision as a starting point, and complemented by the non-competitive approach to play proposed by the Situationist International, we have devised a visit – a drift really, guided by the eleven rules of the game that Allan Kaprow indicated in 1959 in his How to make a happening. This journey follows a route laid by one of the many maps that can be drawn of how creation reaches the public sphere. A route in which the participatory and critical spirit of art can be seen in a set of works that gradually transform landscape into a public, person-focused space.
Augmented Spatiality 