El pasado mes de diciembre, en el festival Tsonami se programó la pieza «Speaking Swinging» de Gordon Monahan. Una pieza del 82 interpretada en esta ocasión por tres performers. A la salida del concierto, conversando con la artista Laura Llaneli nos encontramos con que tuvimos una recepción completamente opuesta de la pieza, ella abandonó el concierto por hastío y hasta enfadada, y yo sin embargo salí entusiasmada. Ante nuestras posturas tan distintas, Laura me invitó a conversar con ella vía e-mail sobre nuestros puntos de vista diversos para publicarlo como reflexión sobre la pieza en la web de Hangar, donde ella está como artista en residencia en este momento. Durante unas semanas, nos hemos intercambiado algunos mails que nos han servido para pensar la obra más allá de nuestras percepciones aquella tarde.
Como parte del seminario de acción e investigación se recopiló información y documentación en diferentes medios que se fue recogiendo en un tumblr a modo de archivo de los cuatro proyectos en los que se trabajó.
Fotogramas del vídeo realizado para el proyecto «La colonización interior» de Abelardo G.Fournier
Con motivo del proyecto «La colonización interior» de Abelardo G.Fournier que ha realizado en la residencia El Ranchito y se puede visitar hasta el próximo 10 de enero en Matadero Madrid, muestro una pieza de vídeo que dialoga con su investigación como respuesta a la invitación que nos extendió a Sandra Santana, José Otero y a mí para conversar con las ideas de su proyecto.
Tal y como explica Abelardo en la web de su proyecto.
La colonización interior «(…) propone una exploración de la acción operada por el Instituto Nacional de la Colonización en el paisaje rural durante los años 1939-1973 como una arqueología de las transformaciones contemporáneas ligadas a la ubicuidad digital. Infraestructuras como los sistemas de parcelación de la tierra, desecaciones de lagunas, movimientos de población y fotografía aérea del territorio son presentados como dispositivos semejantes a la fragmentación digital, su articulación en bases de datos y su dependencia de la explotación de recursos humanos y geológicos.
A través de un muestrario de alteraciones de documentos, herramientas y vestigios, el proyecto trata de atravesar estas mutaciones industriales del paisaje como un espacio de forja de lenguajes, procesos de lectura y escritura, formas de mirar e invisibilizar y, en última instancia, de devenir memoria o resto (…)»
Una parte del proyecto de Abelardo muestra la correlación entre un conjunto de piedras tomadas del paisaje con las palabras del libro «Extremadura saqueada» de tal modo que podemos establecer una conexión visual entre el volumen del paisaje a través de las piedras y el volumen de los conceptos tratados en el libro a través de las palabras. El vídeo en el que he trabajado parte de una piedra tomada del mismo paisaje y muestra, desde la misma visión cenital que muestran las cartografías, el proceso de creación de un molde de la piedra. A través de las sucesivas capas de látex que se van imprimando sobre la piedra ésta va perdiendo poco a poco sus propiedades -tanto de textura como de forma- para ir adquiriendo otras que sin borrar las anteriores las contiene al tiempo que las oculta.
El proceso de realización del molde despliega una conversación con el proyecto «La colonización interior» en su relación con la temporalidad y las distintas capas geológicas que se suceden en la progresiva transformación del terreno. Considerando la piedra como parte de un todo mayor el proceso de realización del molde implica avanzar desde el tratamiento más minucioso a uno más tosco en la aplicación del látex dialogando de este modo sobre la resolución del paisaje, la resolución del material y la resolución del propio proceso transformador del territorio y lo material.
En paralelo a la intervención Emerging Environments de Alex Arteaga en Tabacalera, comisariada por Raquel Rivera como parte del proyecto Architecture of Embodiment, el día 17 de diciembre se celebra una mesa redonda en la que participo junto a Alex, Raquel, Ana García Varas y Lluís Nacenta.
Imagen de la intervención de Alex Arteaga en Tabacalera (Madrid)
Ignasi Aballí. Mapamundi 2010-2011. Collage sobre papel.Colección del artista
La obra de Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) hace frente a las disciplinas y articula con las formas, los procesos y los materiales un jugoso diálogo sobre las expectativas de lo artístico. Los materiales se vuelven procesos en el tiempo, al igual que los procesos se vuelven material en muchas de sus obras. No solo los procesos y el material, también la propia figura del artista y del arte muestran la cara y el anverso para hablar de su propia constitución: la del arte, la del artista, la de la institución y también la del espectador que se involucra en el ciclo.
Todo ello se pone en juego en una exposición que muestra dos dimensiones fácilmente apreciables en todas sus salas: por un lado la dimensión visual, pictórica, del conjunto de obras ordenadas en cada espacio, y por otro lado la lectura e interpretación más profunda que permite la percepción más pausada de cada obra, devolviendo en este acto aproximaciones a espacios de reflexión que abarcan diferentes realidades.
Realidades diversas que, sin embargo, sitúan de uno u otro modo al espectador en su mundo real, en su tiempo contemporáneo. Un tiempo, que como en la vida real se estructura con una doble temporalidad: la de las obras o acciones que suceden a largo plazo y aquellas otras que de forma simultánea a las primeras suceden en un instante o en un espacio de tiempo mucho menor.
La performance como disciplina incluye gran variedad de posibles actividades que incorporan el elemento sonoro y generan, cuando se desarrollan en los espacios públicos, una capa de significado adicional que se puede abordar desde la doble vertiente de lo artístico y lo social. Interpretaciones orales de textos, mini-discursos públicos, acciones de carácter más teatral, conversaciones o entrevistas son algunos de los recursos que se ponen sobre la mesa en este taller para pensar el impacto de las acciones sonoras en la ciudad. Tomando como inspiración la obra de Cildo Meireles, Inserciones en circuitos ideológicos, trabajaremos además la apertura de esos espacios de acción en la virtualidad, atemporal y deslocalizada del podcast “La Radio Inventada” del Centro Cultural de España en Santiago.
Días 8 y 9 de diciembre, de 10-14h en el Centro Cultural de España en Santiago
Más información en la web del festival Tsonami www.tsonami.cl
Entre el 3-5 de diciembre tendrá lugar el seminario Augmented Spatiality. Acciones sonoras en la ciudad gentrificada que estoy coordinando conjuntamente con el festival de arte sonoro Tsonami para su próxima edición de 2015.
Invitamos a artistas, arquitectos, sociólogos, investigadores y a todas las personas interesadas independientemente de su campo de estudio, a presentar propuestas relacionadas con la temática general del festival, el concepto de soundtrification (sonido y gentrificación).
El seminario consistirá por un lado en dos jornadas de trabajo de campo (3 y 4 diciembre) donde se llevarán a cabo las acciones seleccionadas desde una convocatoria pública, que se desarrollarán en el espacio público y habrán de incorporar la posibilidad de realizarlas colectivamente, y por otro un taller que impartiré junto a José Llano (co-director de Crac Valparaíso) los días 4 y 5 diciembre donde trabajaremos con los datos y experiencias recogidos en los días previos.
Nasreen Mohamedi. Sin título (ca. 1975). Colección Sikander y Hydari
La obra de Nasreem Mohamedi (Karachi, 1937 – Baroda, 1990), poco conocida en el ámbito español, desvela en la exposición monográfica que le dedica el Museo Reina Sofía una gran sutileza y sensibilidad que hacen de su trayectoria un ejemplo único en su acercamiento al modernismo. Un modernismo que lejos de asemejarse al realismo que coetáneamente destacaba en India se asienta sobre unos conceptos de abstracción que lo vinculan con lo más íntimo de las personas, la naturaleza y los espacios.
La comisaria de la exposición, Roobina Karode, desvela algunas de las ideas claves que atraviesan la obra de Mohamedi incidiendo en la importancia de la línea en su obra. Un empleo de la línea que se va depurando progresivamente en un proceso de abstracción y economía de medios y recursos. El proceso degenerativo muscular que padecía la artista no le impidió sin embargo trabajar con gran minuciosidad en sus obras, consiguiendo que todas ellas estén impregnadas de una precisión casi matemática que deja ver a su vez, como comenta la comisaria, un aire grácil y orgánico.
Nasreem Mohamedi estableció un estrecho vínculo con la música, que escuchaba en su estudio mientras trabajaba. La voz de Pandit Bhimsen Joshi que acostumbraba a escuchar la artista acompaña ahora como fondo musical el contenido de esta cápsula.
Ya se puede adquirir «Geografías audibles», el segundo número de la Revista de arte sonoro y cultura Aural que incluye diferentes ensayos y aproximaciones a la creación sonora vinculada a la noción del territorio. En él he contribuido con un texto titulado «Lectura, apropiación, propuesta y conversación» en el que analizo obras puntuales de Dora García, Teatro Ojo, Hong-Kai Wang y Suzanne Lacy para hablar de la temporalidad, el hecho sonoro y el análisis crítico del espacio urbano. Mi agradecimiento a Samuel Toro Contreras, Qzzk Hx y Rodrigo Ríos (editor y co-editores) por su trabajo en este número.
La revista se puede adquirir online a través de la editorial Chancacazo
Vista de la exposición «La escultura como lugar» en el Palacio de Velázquez, Madrid. Imagen Museo Reina Sofía
Esta cápsula de investigación, creada con motivo de la exposición La escultura como lugar que muestra la obra de Carl Andre en el Museo Reina Sofía, plantea una aproximación a una serie de experiencias y referencias desde las que profundizar y dar a conocer parte de su creación artística.
La obra de este escultor y poeta estadounidense nacido en Massachusetts en 1935 aparece vinculada a diferentes experiencias vitales por las que el artista ha pasado desde que comenzara a establecerse en la escena norteamericana en los años 60. Su trabajo como guardafrenos en una empresa ferroviaria de Pennsylvania o el paseo en canoa que llevó a cabo en un lago en New Hampshire van a provocar importantes transformaciones en su obra. No solo los materiales sino también la propia estructura de sus piezas vinieron determinadas por reflexiones y conclusiones a las que llegó a través de aquellas experiencias.
Entre diversas consideraciones sobre su escultura y su trabajo textual y poético el oyente tendrá ocasión de escuchar al propio Carl Andre realizando algunas lecturas de sus poemas, como también el trabajo y las cavilaciones de otros creadores que nos aproximan a la diversidad y riqueza artística de un período crucial del arte contemporáneo: los años 60 y 70 en Estados Unidos.
