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Programa Fisuras (RRS)

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Escucha el contenido de la cápsula “Cildo Meireles”
http://radio.museoreinasofia.es/Programa-Fisuras
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El programa Fisuras es una plataforma del Museo Reina Sofía que ofrece el espacio del Museo a artistas para que produzcan obra nueva. Este año, el programa reúne cuatro propuestas de artistas internacionales que podrán verse hasta el próximo 6 de enero de 2014: Gabriel Acevedo Velarde, Maria Loboda, Manuel Saiz y Alejandra Riera.

En esta ocasión la Radio del Museo Reina Sofía ha conversado con tres de estos artistas que han explicado el origen e intención de sus propuestas en el Museo. La intervención Las Fieras de Maria Loboda (Cracovia, 1979) la componen un conjunto de objetos que ocupan uno de los pasillos del edificio Sabatini. De esta forma construye la artista una narrativa donde historia y simbología cobran una nuevo significado dentro del espacio museístico.

El artista peruano Gabriel Acevedo (Lima, 1976) reconstruye una particular sala de cine realizada con sillas del almacén del Museo para mostrar un programa ficticio de televisión cuyo tema son los fenómenos paranormales en los edificios del Estado en Perú. Toda su exposición reflexiona sobre los espacios intermedios de fricción y mezcla que se producen entre la afectividad individual de las personas y la coexistencia de los medios y el Estado.

Finalmente la pieza de Manuel Saiz (Logroño, 1961) se centra en una performance que propuso el pasado 28 de septiembre un cuidado mecanismo para abordar la espinosa cuestión de qué es el arte. Una serie de entrevistas realizadas públicamente en el Museo buscaron que cada entrevistado expresara su conocimiento relativo al tema abordado. Hasta el próximo 6 de enero se verá en el auditorio de Sabatini la grabación de aquella performance.

Cristina Iglesias. Metonimia – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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El Museo Reina Sofía ha reunido bajo el título Metonimia una exposición retrospectiva de Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) en la que pueden verse desde algunos de sus trabajos más tempranos con resinas y hormigón, hasta las celosías, pasillos suspendidos y fuentes en los que está trabajando en la actualidad.

Cristina Iglesias aborda en la entrevista cuatro bloques fundamentales de su producción artística. De sus palabras se deduce que las texturas y el juego de simulaciones creado en sus obras a partir de materiales escultóricos se mezclan con conceptos como el tiempo y la penetrabilidad de las formas.

Cada detalle parece estar orquestado; la luz que incide y entra en las esculturas, pero también el espectador que se adentra en ellas se configuran como situaciones y momentos de las propias obras. No quedan desatendidas además las formas en que sus voluminosas esculturas habitan y ocupan los espacios. La artista busca coreografiar el movimiento de los espectadores y así lo ha tratado también en el Museo Reina Sofía, donde conjuntamente con la comisaria Lynne Cooke, ha propuesto un recorrido muy flexible y abierto en el que las serigrafías y las celosías se encuentran o alejan entre pasillos y techos suspendidos, donde no sólo los volúmenes y los espacios, sino también el tiempo, el agua y el sonido configuran un lugar ficticio que habitar y en el que penetrar.

Mitsuo Miura. Memorias Imaginadas – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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El Museo Reina Sofía ha reunido bajo el título Metonimia una exposición retrospectiva de Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) en la que pueden verse desde algunos de sus trabajos más tempranos con resinas y hormigón, hasta las celosías, pasillos suspendidos y fuentes en los que está trabajando en la actualidad.

Cristina Iglesias aborda en la entrevista cuatro bloques fundamentales de su producción artística. De sus palabras se deduce que las texturas y el juego de simulaciones creado en sus obras a partir de materiales escultóricos se mezclan con conceptos como el tiempo y la penetrabilidad de las formas.

Cada detalle parece estar orquestado; la luz que incide y entra en las esculturas, pero también el espectador que se adentra en ellas se configuran como situaciones y momentos de las propias obras. No quedan desatendidas además las formas en que sus voluminosas esculturas habitan y ocupan los espacios. La artista busca coreografiar el movimiento de los espectadores y así lo ha tratado también en el Museo Reina Sofía, donde conjuntamente con la comisaria Lynne Cooke, ha propuesto un recorrido muy flexible y abierto en el que las serigrafías y las celosías se encuentran o alejan entre pasillos y techos suspendidos, donde no sólo los volúmenes y los espacios, sino también el tiempo, el agua y el sonido configuran un lugar ficticio que habitar y en el que penetrar.

RRS – Maia Urstad. RCRS Radio Canvas Reina Sofía

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Escucha el contenido de RCRS Radio Canvas Radio Sofía de Maia Urstad http://radio.museoreinasofia.es/maia-urstad
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RCRS Radio Canvas Reina Sofía es la pieza que la artista noruega Maia Urstad ha realizado específicamente para el Canal Procesos de RRS, Radio del Museo Reina Sofía.
Maia Urstad trabaja en la intersección del sonido y el arte visual abordando la historia y metodología de las tecnologías de la comunicación. En sus instalaciones, composiciones y performances Urstad ha trabajado de forma recurrente con el código morse, las señales de larga distancia, las redes digitales terrestres y la fibra óptica. Materiales con los que la artista construye en sus obras espacios físicos o virtuales. La radio, que Maia Urstad utiliza por sus posibilidades sonoras, visuales y conceptuales se constituye además como uno de los ejes centrales en su obra.
La invitación a Maia Urstad que pude realizar como parte del equipo de RRS ha resultado en la pieza titulada RCRS Radio Canvas Reina Sofía en la que el propio podcast se convierte en el centro del paisaje sonoro. Urstad, en la línea de las anteriores propuestas del canal Procesos, ha trabajado sobre el espacio de la institución, centrándose en su pieza en el espacio virtual y temporal del podcast que ha utilizado como lienzo y material de su composición.
RCRS-score(2013)

Partitura preparatoria de RCRS – Maia Urstad

Perder la forma humana – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Perder la forma humana” http://radio.museoreinasofia.es/perder_forma_humana
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Los años 80 fueron un momento de gran agitación política en América Latina, diferentes países se ven sometidos a regímenes dictatoriales, guerras internas y estados de sitio que reprimen la libertad de expresión y el cuerpo individual y colectivo de la sociedad. En ese contexto surgieron multitud de grupos y colectivos que desde el espacio de la creación irrumpieron con distintas estrategias en el ambiente represivo en que se hallaban sumergidos. El Museo Reina Sofía recupera en una exposición comisariada por la Red Conceptualismos del Sur muchas de aquellas manifestaciones que se despliegan en un espectro que va desde el teatro a la música, pasando por la serigrafía, el vídeo documental y la performance.

Se recupera de esta manera un valioso material que parecía estar abocado al olvido y que con su presencia nos deja mirar no solo aquellos años concretos de América Latina, sino también su reinterpretación a la luz de la situación global actual. RRS ha hablado con algunos de sus protagonistas, artistas y colectivos que esquivaron la censura con acciones que emplean el dramatismo tanto como la alegría y la ironía. Las aportaciones de Marta Cocco, integrante del TIT (Teatro de Investigaciones Teatrales) Sergio Zevallos del grupo Chaclacayo, Alfredo Márquez del colectivo Bestiarios, la cineasta Sarah Miller y Maris Bustamante integrante del colectivo Polvo de gallina negra, componen un valioso documento que dibuja una visión general trazada a partir de sus experiencias y visiones particulares.

Habla. Entrevista con Sharon Hayes – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Habla. Entrevista con Sharon Hayes ” http://radio.museoreinasofia.es/sharon_hayes
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Con motivo de su primera exposición individual en Europa, la artista norteamericana Sharon Hayes (Baltimore, 1970) conversó con la Radio del Museo Reina Sofía sobre algunas de las cuestiones que aborda en su obra.

La exposición, que se puedo visitar hasta el pasado 24 de septiembre de 2012, llevó por título Habla y recogía un conjunto de obras que puso de manifiesto la constante preocupación de la artista por las intersecciones entre la historia, la política y el habla (o el discurso). En la entrevista, Hayes explica la importancia que tiene en su obra la voz en consonancia con el cuerpo. Una postura que hace que en buena medida su obra, ya sea esta instalativa o en formato vídeo, tenga una componente performativa visible y audible -como se pone de manifiesto en los fragmentos de audio de dos de las obras que formaron parte de la exposición- Parole (2010) y I March In The Parade of Liberty But As Long As I Love You I’m Not Free (2008).

El giro conceptual en la obra de Hayes entre el cuerpo del que habla y el cuerpo del que escucha tomó forma asimismo en la performance que la artista realizó en el exterior del Museo Reina Sofía, en la que declamó de memoria un texto en castellano escrito específicamente para la ocasión por el artista mexicano Pablo Sic. Hayes comenta su papel como médium en esta acción en la que habla un idioma que desconoce, una cuestión que le lleva asimismo a hablar de la traducción de sus obras y los niveles de significación y resignificación que esto conlleva.

Somateca. Entrevista con Beatriz Preciado – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Somateca. Producción biopolítica, feminismos y prácticas queer. Entrevista con Beatriz Preciado” http://radio.museoreinasofia.es/somateca
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El movimiento feminista, tal y como nos explica Beatriz Preciado, comienza en los albores de la revolución francesa. Es una corriente que se denomina a sí misma como un movimiento de ciudadanas. Son madres, mujeres viudas o bastardas que reclaman el derecho de igualdad de las mujeres frente al régimen soberano en que se encuentran en el siglo XVIII. La palabra feminismo sin embargo no fue inventada por este movimiento, sino que es un término médico – una noción psicopatológica asociada a la tuberculosis – que define en 1871 un médico francés llamado Faneau de La Cour. En su tratado sobre la tuberculosis califica de feministas a los hombres que debido a esta enfermedad pierden virilidad. Para él por tanto el feminismo es una patología de desvirilización del hombre tuberculoso.

Tan solo un año después el hijo de Alejandro Dumas, panfletista de la época, retoma este término de manera injuriosa para descalificar a los hombres que apoyan la causa de las ciudadanas y su integración en la esfera pública y democrática en términos de igualdad legal y política. Para encontrar el término feminismo asociado a las mujeres habrían de pasar unos años hasta que las sufragistas a comienzos del siglo XX se apropiaron del término y se autodenominaron feministas.

Beatriz Preciado, teórica queer y experta en teoría del género e historia política del cuerpo relaciona este proceso de reapropiación performativa y crítica del término con otro proceso semejante que sucede a finales de los años 80 con la expresión queer. Si bien inicialmente el término tiene un carácter peyorativo, los movimientos homosexuales, transexuales y transgénero se van a reapropiar del mismo para oponerse a las corrientes gays y lesbianas de integración y normalización en la sociedad heterosexual dominante.

La entrevista desarrollada en el marco de Somateca, el curso que dirige Beatriz Preciado entre abril y septiembre de 2012 en el Centro de Estudios del Museo Reina Sofía, aborda estas y otras cuestiones con relación al cuerpo, la creación y las técnicas de representación y de subjetivación de los grupos socialmente marginados o subalternos.

Repensar los modernismos latinoamericanos – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Repensar los modernismos latinoamericanos” http://radio.museoreinasofia.es/modernismos_latinoamericanos
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Con motivo del seminario Repensar los modernismos latinoamericanos. Flujos y desbordamientos organizado por el Museo Reina Sofía los días 2 y 3 de marzo de 2012 en colaboración con la Fundación Colección Patricia Phelps de Cisneros, RRS tuvo la oportunidad de entrevistar a algunos de los expertos que se reunieron para discutir el panorama del arte latinoamericano de los años 60 y 70. El contenido de esta cápsula despliega un conjunto de trayectorias que, más allá de las internacionalmente conocidas de Hélio Oiticica, Lygia Clark y Lygia Pape, ponen de relieve la diversidad y riqueza del arte en América Latina. Así por ejemplo Andrea Giunta hace referencia a la artista argentina Lydi Prati, eclipsada entre el grupo de artistas concretos argentinos donde ella se situaba como la única mujer, como también se hace referencia al artista venezolano Jesús Soto de quien Ariel Jimenez hace un análisis con relación a Marcel Duchamp. Asimismo, Cristina Freire presenta la figura del artista español Julio Plaza cuya obra conformó la representación española en la Bienal de São Paulo en 1967 y quien posteriormente se mudó a la ciudad brasileña donde colaboró con los poetas concretos paulistas. Además de esto, deja la entrevista un conjunto de comentarios en torno a las influencias de ida y vuelta que se produjeron en la historia del arte latinoamericano con relación a los modernismos y los relatos de sus trayectorias más reconocidas en Europa y EEUU. Como apunta Estrella de Diego en la entrevista, no siempre las influencias llegaron a América Latina sino que en ocasiones partieron de ella hacia otros lugares.

El seminario se inscribe dentro de una línea de trabajo del Museo Reina Sofía que busca establecer un contacto fructífero con distintas instituciones e investigadores de América Latina. En este sentido este seminario ha servido como marco de discusión y pensamiento para la exposición que con el mismo nombre y en colaboración con la Colección Patricia Phelps de Cisneros tendrá lugar en el Museo Reina Sofía a finales del año 2012.

De la revuelta a la postmodernidad (1962-1982) – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982)” http://radio.museoreinasofia.es/de-la-revuelta-a-la-posmodernidad
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El Museo Reina Sofía inaugura nuevas salas de la Colección centradas en los años que transcurren entre 1962 y 1982, años de importantes cambios en la esfera artística, que el Museo incorpora siguiendo, como en el resto de la Colección, unas directrices entre las que destaca la transversalidad de conceptos, movimientos y nombres propios de este periodo.

Alegorías, Feminismos o Tropicalia son algunos de los epígrafes en torno a los que se reúne la adquisición de obras que conforman las nuevas salas. También otros más reconocibles como Poesía experimental o Danza contemporánea se unen a secciones documentales de grupos críticos con la institución, que incorporan en el espacio expositivo del Museo registros de gran valor para comprender algunas de las facetas relevantes del arte y la historia de la posmodernidad.

El valor del objeto artístico, la crítica institucional o la incorporación de nuevos formatos son algunos de los retos que afronta el Museo para elaborar un discurso, siguiendo unos criterios artísticos y una historia no solo del arte, sino también una historia política y social de los años 60 y 70.

El director del Museo, Manuel Borja-Villel, la responsable del Área de Colecciones, Rosario Peiró y Jesús Carrillo, Jefe de Actividades Públicas, charlan con la Radio del Museo Reina Sofía para contarnos algunas de las ideas claves que configuran la Colección, desvelando además algunos de sus recorridos y procesos para que ésta sea posible.

Soledad Sevilla – RRS Radio del Museo Reina Sofía

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Escucha el contenido de la cápsula “Soledad Sevilla. Escrito en los cuerpos celestes” siguiendo este enlace http://radio.museoreinasofia.es/soledad-sevilla
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La artista Soledad Sevilla ha creado en el Palacio de Cristal una arquitectura que repite, delimitándolo y redibujándolo, el lugar y las proporciones del antiguo invernadero del parque de El Retiro. Sorprende escuchar a la artista explicar a la Radio del Museo Reina Sofía su forma de construir en el espacio. Las ideas encuentran con la llegada del espacio su lugar y su forma. En la instalación que ha creado la luz y el lenguaje – abstracto ya que solo emplea los signos lingüísticos de puntuación, son los protagonistas simbólicos a los que recurre la artista para sugerir todas aquellas cosas que suceden sin un aparente motivo pareciendo sin embargo estar sujetas a algo predeterminado y escrito ya con antelación en los cuerpos celestes.

La dilatada trayectoria de la artista le valió el Premio Nacional de Artes Plásticas a principios de los noventa, en 1993. Ya entonces llevaba Soledad Sevilla cerca de una década compaginando su labor prioritaria como pintora con la creación de instalaciones artísticas realizadas, como en esta ocasión en el Palacio de Cristal, para lugares específicos. Sus instalaciones suelen evocar lo intangible a través de los procesos orgánicos sometidos al tiempo y sus condiciones particulares. En este caso, en la instalación Escrito en los cuerpos celestes el tiempo parece suspenderse en el abismo del Cosmos, como queriendo evocar un infinito donde los cuerpos son solo un pequeño punto más de su materialidad.

>> La instalación Escrito en los cuerpos celestes se puede visitar hasta el próximo 29 de abril en el Palacio de Cristal del Parque de El Retiro.


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