Creación y esfera pública
En el contexto del Festival de Arte Sonoro Síntesis, organizado en Jaén, voy a presentar el marco de mi investigación artística desde 2001 hasta la actualidad para hablar de la deriva, los hallazgos y las controversias, con relación a la creación sonora.
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Escucha el contenido “Griselda Pollock: La cuestión es pensar”
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Durante su paso por la Cátedra Juan Antonio Ramírez del Museo Reina Sofía en octubre de 2024, tuve el inmenso privilegio de conversar con la pensadora e historiadora Griselda Pollock. Una mujer cercana que, con generosidad, compartió temas centrales de su pensamiento y de su trayectoria en el arte y en los feminismos desde sus inicios como estudiante y después como docente y profesional del arte.
En esta cápsula habla de revueltas, de intervenciones feministas en la historia del arte y de narrativas alternativas que desafían los relatos oficiales. También reflexiona sobre cuál debería ser el papel de los museos para visibilizar y contextualizar estas historias. Además, se adentra someramente en el tema la inteligencia artificial sobre el que habló en su conferencia Yo no debería estar aquí, quizás. Pensamiento feminista y memorias del trabajo artístico en la distopía de la IA, impartida en el Museo. Esta entrevista recoge la oralidad de sus palabras en tiempo real, con una mínima edición, dejando a la memoria de quien la entrevistó aquello que una grabadora no pudo captar.
Griselda Pollock (Bloemfontein, Sudáfrica, 1949) es profesora emérita de la Facultad de Bellas artes, Historia del Arte y Estudios Culturales de la Universidad de Leeds (Reino Unido), donde ocupa la Cátedra de Historias Sociales y Críticas del Arte desde 1990. Sus intereses se centran en las intervenciones feministas, sociales, queer y poscoloniales de la historia del arte, así como en la representación y la memoria de la cultura visual. En 2020 fue reconocida con el Premio Holberg a la excelencia académica. Entre sus publicaciones más recientes se incluyen Killing Men & Dying Women: Imagining Difference in 1950s New York Painting (Manchester University Press, 2022) y Woman in Art. Helen Rosenau’s ‘Little Book’ of 1944 (Yale University Press, 2023), un homenaje a la precursora de la historia del arte feminista Helen Rosenau.
El 26 de septiembre se ha visionado en primicia en el Kunsthal Aarhus el videoensayo «LUMI» de Abelardo Gil-Fournier y Jussi Parikka para el que he realizado el diseño sonoro. Un juego de superposiciones, roces y apariciones de sonidos cuyos desvanecimientos y contraposiciones dialogan con la voz, los subtítulos y las imágenes que construyen este documento que han creado ambos autores en paralelo a la escritura de su libro «Living Surfaces. Images, plants and environments of media» (MIT Press, 2024)
La acción de inclinarnos hacia otras personas y hacia lo otro cuando escuchamos es un gesto que, aunque puede ser mínimo, viene acompañado de un movimiento que nos descentra y nos predispone a recibir aquello que nos rodea. La inclinación como actitud de escucha se presenta así como un espacio configurado por planos que articulan otras arquitecturas del espacio a partir de las que trabajar en el contexto educativo.
Al curso se llega desde la investigación volcada en el libro «Un largo eco. Aprendizajes y acciones desde la creación sonora» que escribí en co-autoría con Fran MM Cabeza de Vaca, si bien el taller incorpora una vertiente en la que estoy trabajando en mi investigación actual en el contexto de la creación sonora en contextos colaborativos y de espacio público. Este taller se plantea como una exploración del potencial de la escucha y la experimentación sonora para activar procesos de aprendizaje desde la intersección entre el arte y la educación, con el objetivo de que cada participante pueda aterrizarlos en sus contextos específicos y generar de este modo herramientas que puedan utilizar en el contexto del aula.
La escucha y su potencial estético y artístico se ha explorado en innumerables ocasiones en el ámbito del arte. Se ha representado la escucha, se ha puesto en escena la escucha, pero ¿qué puede la escucha como espacio de acción colaborativo? A partir de la etimología de la palabra escuchar llegamos a la idea de inclinarse para poner la oreja. Este taller propone la escucha como una metodología artística que trasciende no solo las disciplinas del arte, sino las disciplinas de conocimiento. Una forma de hacer que nos descentra de nuestro eje vertical y nos inclina hacia otrxs propiciando así formas alternativas de ocupar el espacio. No es un taller sobre música, ni para hacer música, es un taller sobre escucha y cuerpo colectivo que nos invitará a practicar el cuidado, la atención, la sensibilidad a otras escuchas y la acción-reacción como ejercicios creativos de expresión y reflexión atentos al cuerpo individual y desplazados también de este.
Prado Educación
19 de abril, 2024
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Escucha el contenido “Lo que ellas vieron. Entrevista con Russet Lederman”
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Russet Lederman es la comisaria, junto con Olga Yatskevich, de la exposición Lo que ellas vieron. Fotolibros históricos realizados por mujeres, 1843-1999, mostrada en el Espacio D de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía. En línea con la publicación homónima de 10×10 Photobooks de 2021, la muestra reúne, bajo un amplio paraguas, trabajos de mujeres en torno a la publicación, archivo y/o la colección de imágenes y fotografías. Así pueden verse libros encuadernados, porfolios, álbumes, fanzines y otros formatos, todos ellos recogidos bajo el término fotolibro.
Esta iniciativa busca destacar la cuestión de género en la historia del fotolibro, que no en vano comienza con el famoso ejemplar de cianotipias de Anna Atkins expuesto en el Museo Reina Sofía. Lo que ellas vieron es una continuación del trabajo realizado previamente en el libro titulado How we see: Photobooks by women (10×10 Photobooks, 2018) en el que las autoras ya habían realizado una recopilación de fotolibros realizados por mujeres. Por lo tanto, uno de los objetivos fundamentales de este proyecto, como explica Lederman en la cápsula, es ampliar la mirada sobre la historia del fotolibro de tal modo que puedan surgir nuevas narrativas e investigaciones atentas al papel de la mujer.
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Escucha el contenido “Ibon Aramberri. Vista parcial”
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El artista Ibon Aranberri expone en el Museo Reina Sofía, entre noviembre de 2023 y marzo de 2024, una serie de obras representativas cuya organización en las salas del museo se empapa de la vida expositiva que esas mismas obras han tenido a lo largo del tiempo. La exposición Vista parcial ha sido comisariada por Manuel Borja-Villel y Beatriz Herráez en diálogo con el propio artista.
Esta cápsula recoge en voz de Ibon Aranberri algunas de las ideas que rodean Vista Parcial, una exposición de carácter antológico que muestra parte de su producción artística desde la década de 1990 hasta la actualidad. Ibon Aranberri comparte además sus inquietudes ante esa propia noción de una antológica, un formato que revisa, reúne y organiza un corpus creativo que se presenta atravesado en esta exposición por diferentes ciclos temporales, vitales y conceptuales que hilan cada obra con el presente y con su recorrido pasado.
De forma sugerente, el paraguas conceptual de Vista parcial no solo remite a la visualidad fragmentada o a la visión parcial de una trayectoria sino también a todo aquello que en una exposición como esta, trazada desde una trayectoria artística que está en proceso, queda inconcluso, por decir, por experimentar…, una referencia a las segundas oportunidades e incluso a los fracasos como formas de contemplar —y completar— otros espacios de posibilidad tanto a nivel expositivo como artístico.
UN LARGO ECO. Aprendizajes y acciones desde la creación sonora
María Andueza Olmedo y Fran MM Cabeza de Vaca
Red Planea Arte y Escuela
Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana
El libro es un manual en torno a la creación sonora para docentes, educadores y mediadores dentro y fuera de la educación formal. Es también un libro de consulta sobre creación sonora organizado en nueve bloques que abordan de forma transversal diferentes líneas de acción, desde la performance hasta la instalación sonora, pasando por la poesía, la audiovisión o la imaginación sonora. Es una invitación a explorar el potencial de la escucha y la experimentación sonora a través de los contextos del arte y la educación. Y para ello no solo presenta diferentes contextos de aplicación sino que propone actividades y contextos de aprendizaje para trabajar en el aula, el museo, la biblioteca o la ciudad entre otros muchos lugares.
‘Un largo eco. Aprendizajes y acciones desde la creación sonora’, es un proyecto realizado para el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana dentro del programa Red Planea formalizado a través de un proyecto de transferencia de la investigación de la Universidad Complutense de Madrid.
Puedes leer y descargar el libro en este enlace >> https://redplanea.org/recursos/un-largo-eco/
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Escucha el contenido “Sobre la atención. Una conversación con Amador Fernández-Savater”
https://radio.museoreinasofia.es/sobre-atencion
Amador Fernández-Savater (1974) es filósofo, escritor y activista. En la primavera de 2022 activó en el Museo Reina Sofía el taller de lectura Prestar atención: un desafío contemporáneo como parte de la Escuela de la Escucha, un programa de formación para docentes —pero extensible a otras personas interesadas—, que tiene como principal objetivo crear un espacio de reflexión para pensar de forma colaborativa en torno a la educación y la escuela.
Aquel taller retomaba el trabajo que habían comenzado previamente Amador Fernández-Savater y Oier Etxeberria en Tabakalera en torno al tema de la atención. Un contexto del que surge además la publicación El eclipse de la atención (2023) que han coordinado ambos y recoge una parte de los textos que se trabajaron en el Museo Reina Sofía.
En la conversación, recuperamos algunos de los temas centrales en torno a la atención o a las diferentes formas de atención posibles. Dialogando con las ideas de autores como Simone Weil, Rafael SM Paniagua, Yves Citton, Peter Handke o D. H. Lawrence se adentra en los desafíos y los retos de otras formas de atención en la contemporaneidad. De esta forma, Fernández-Savater reflexiona en esta cápsula en torno la espera activa como actitud reveladora, a la escucha como forma partícipe de la atención o al deseo como guía de otros modos de atender y descubrir la capacidad creadora.
Durante los meses de febrero y marzo de 2023 tendrán lugar en la facultad de Bellas Artes de la UCM los laboratorios transdisciplinares y las sesiones abiertas que hemos organizado en torno al fanzine para proponer un contexto de trabajo entre los Grados en Diseño y Bellas Artes. Toda la información está recogida en http://laboratoriostransdisciplinares.link
Vasos Comunicantes: Laboratorios transdisciplinares es el proyecto de Innovación Docente que estamos desarrollando un grupo de docentes y estudiantes en el curso 2022-2023 en la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Este proyecto surge del deseo de conectar activamente los grados en Diseño y Bellas Artes que se imparten en nuestra facultad. Identificamos en el alumnado de ambos grados intereses comunes y formas de hacer que por momentos resultan opuestas: enfocadas unas en lo digital, centradas las otras en lo manual, orientadas unas hacia el proyecto final, trabajadas las otras de forma experimental. No podemos generalizar en ninguno de los casos, aunque comprendemos la riqueza que supondría para lxs estudiantes de ambos grados encontrarse. De ahí nace la idea de laboratorio que presentamos en esta propuesta de innovación docente que se complementa con sesiones abiertas en las que presentar y proponer contextos de pensamiento en torno al proyecto.
Pensamos estos laboratorios y las sesiones abiertas como el formato que permite que se creen las condiciones para el encuentro y el trabajo colaborativo y conjunto entre ambos grados. Los laboratorios permiten ensayar nuevos modos de hacer, se construyen sobre el hacer colectivo y exigen desplegar y compartir los saberes de cada persona. Por otro lado, las sesiones se presentan como una oportunidad para compartir proyectos y conocer propuestas sugerentes para la práctica creativa. Contemplamos entonces el laboratorio + las sesiones de presentación como un espacio y punto de encuentro para asignaturas de ambos grados que pueden desarrollarse tanto en clave expositiva como práctica. En este caso hemos diseñado el marco del laboratorio #1 en torno a la gráfica del fanzine, un contexto de acción creativa que nos permite trabajar la generación de imágenes usando técnicas manuales y digitales integradas en una investigación basada en la práctica. En el proyecto participarán un grupo de docentes, estudiantes e invitadas en la generación de actividades que serán abiertas y accesibles a cualquier persona de la facultad interesada en participar.
Equipo docente del proyecto: María Andueza Olmedo, Yera Moreno Sainz-Ezquerra, Javier Pérez Iglesias, Beatriz Fernández Ruiz, María Azucena Vieites García, Selina Blasco Castiñeyra, Lila Insúa Lintridis, Santiago Lucendo Lacal, Rafael Sanchez-Mateos Paniagua, Miguel Ángel Rego Robles
El proyecto se enmarca en la convocatoria Innova Docentia UCM para el curso 2022-2023, proyecto 235 y el grupo Investigación, Arte, Universidad.
